Gregory Colbert

Muchas gracias...

Paté de Fuá - Triste su hechizo de eterno vaivén

Escuche este disco por primera vez en la zona del Zócalo en DF ciudad de México, desde ahí no pude dejarlo más. El álbum abre con La canción de Linyera, una nostálgica canción que no escuchaba desde pequeño, recuerdo que la canturreaba mi abuela, solo eso ya me hizo entregarme al disco.
Música Moderna, así se titula el álbum, llego a mi vida en un momento muy especial y ahí se instalo, hoy esta entre mis discos más queridos. Al escucharlo, puedo sentir el olor al cilantro, tacos de pollo, agüitas de Coyacán, incienso de la playa del zócalo, guacamole y vino rosado.
Pate de Fua. Este original y talentoso grupo musical fue fundado en México a fines del 2005 por Yayo González y Guillermo Perata.
Paté de Fua busca combinar distintas influencias y desarrollar una postura musical no abordada hasta hoy.
Con Paté de Fua podemos divertirnos, cantar, hasta ponernos tristes y como diría Yayo "Estúpidamente felices, sin razón alguna..."
Paté de Fua combina instrumentos musicales como acordeón, bandoneón, banjo, cavaquinho, corneta, bombardino, guitarra, contrabajo, batería y voz. El repertorio de Pate de Fua incluye dixieland, jazz, valses musette, fox-trot, tango, tarantelas, pasos dobles y distintos elementos de las músicas tradicionales del mundo, exploradas y compuestas por estos virtuosos y destacados artistas que desarrollan su creatividad con una actitud actual, que prácticamente no tiene antecedentes.

Pueden escuchar uno de los mejores track del disco:
http://www.youtube.com/watch?v=zRDA5H2H9gc

In The Mod for Love... and More - Wong Kar Wai

Wong Kar Wai nos contaba en In The mood for Love una historia que se desarrollaba en Hong Kong en 1962 y en la que Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu-Wai), redactor jefe de un diario local, alquila una habitación en un apartamento el mismo día que hace lo propio Su Lizhen (Maggie Cheung Man-yuk), secretaria de una compañía naviera. Son vecinos de habitación. Por motivos de trabajo sus respectivas parejas los dejan solos durante cierto tiempo. Chow y Su se encuentran a menudo a solas en sus habitaciones y entablan una amistad, solo esa simple historia es una de las maravillas del cine. Así es que se editó una segunda banda de sonido de la película, pero este segundo disco lo recopiló Wong Kar Wai, porque son sus canciones preferidas y son las que de algún modo le recuerdan a su infancia, a la música que solo se podía escuchar en la radio en Hong Kong. En esta selección de temas encontramos I´m in the mood for love por Bryan Ferry, María Elena, Solamente una vez y Perfidia interpretadas por Nat King Cole, y también muchas canciones chinas del 50'. Según Wong era necesario este segundo disco, porque eran canciones que tenía en su corazón y él tenía la necesidad de mostrarlas a sus seguidores.

Viva la tristeza! Pedro Almodóvar

Algunos pagaríamos para entrar a ver la discoteca de Pedro Almodóvar, pero por ahora nos conformamos con este disco, que según Pedro es música para llorar... Esta es una compilación que hizo Almodovar mientras escribía el guión de Hable con ella, y es como la banda sonora que lo acompañó mientras lo escribía. Este disco ya tiene unos años de editado, pero me pareció interesante agruparlo en esta nota, ya que los artistas editan sus canciones preferidas. Pedro dice que él escucha música todo el tiempo y hace sus propias bandas sonoras en cada momento de la vida misma, y ésta no es la excepción. En Viva la tristeza!, todas las canciones provocan una emoción profunda, son canciones analgésicas, donde abundan los susurros, los lamentos y la canción de amor desgarrado. Hay maravillas como Once I Loved por Shirley Horn, Nothing compares 2u por Jimmy Scott, I woke up por Nicolette, entre otras tristes canciones. Según Almodóvar todas tienen algo de nanas, canciones de cuna que nos llena el corazón de tristeza y delicia.

Back To Mine - Pet Shop Boys

Los genios del Pop electrónico editaron un disco doble donde se dieron el gusto de tomar las bandejas y mezclar sus temas preferidos.
Back To Mine cd1 es una colección de canciones preferidas de Chris Lowe y es un homenaje al “Italo” disco, que mucho influyo a la bandas y según el mismo Chris, “son canciones de amor, religión, amistad y sexo.”
Aparecen así temas como Don´t cry tonight de Savage, Take a Chance de Mr Flagio, The show must go on de Queen, entre otras joyitas que tanto escuchamos en las radios en los 80´
Hay también algo de Gospel con Stand on the word por Celestial Choir y el disco cierra con I'd Rather Leave While I'm in Love por Dusty Springfield.
La colección de Neil Tennant en el cd2 es de todo un hombre ingles: una fina selección de Chill Out que según Neil es música para escuchar de noche, muy tarde antes de dormir.
Temas suaves, cargados de atmósferas electrónicas, con muchas orquestas y delicadas voces, como la de Etienne Daho. Es difícil elegir un track, ya que el disco funciona en su totalidad, y también hay un tema de precioso: Goin´n Back de Dusty Springfield. Back To Mine de Pet Shop Boys es un proyecto interesante, casi imprescindible para los que amamos a Neil y Chris.

Japón + Brasil = exquisito tropical por Alejandro Zarate

“Casa” Morelenbaum2 / Sakamoto
Se reeditó el álbum grabado en Río de Janeiro en la casa del compositor Antonio Carlos “Tom” Jobim. Este es el primer disco en que Sakamoto interpreta composiciones que no le son propias. Con la voz de Paula Morenlenbaum, el cello de Jaques Morelenbaum y Ryuichi Sakamoto en el piano, se recrean las canciones de Jobim menos difundidas. El resultado de esta comunión es sublime, y esa atmósfera mágica fue capturada a través de las 16 canciones que dan forma al álbum, y ahora con la reedición se agregaron dos track nuevos. El piano tocado por Sakamoto le da un toque de exquisitez y sutileza y el cello de Jaques es un disfrute continuo. Paula y Daniel, hijos del compositor Tom Jobim, invitaron a grabar este álbum en la propia casa del legendario Jobim, con las ventanas abiertas hacia una estupenda vista de Río, con el canto de los pájaros y los grillos, que ayudaron a que “este ambiente sea una experiencia pura de emoción”, según Sakamoto. Entre las canciones más bellas encontramos O grande amor y Amor en paz; y entre las piezas instrumentales están Tema para Ana y Chanson pour Michelle.

Seleçao Sakamoto “O Brilho do tempo”

En 2001 comienza este proyecto con la bossa nova, a través de la grabación del disco Casa, junto a Jaques Morelenbaum y Paula Morelenbaum.
Ryuichi Sakamoto es un japonés que rompe esquemas cuando presiona las teclas, pinza las cuerdas y crea maravillas en sus composiciones. La emoción, la belleza en su forma más explícita y la exploración de los sentimientos, son el sello de sus composiciones.
Aquí Sakamoto se da un gusto personal y edita su colección de canciones de Bossa Nova preferidas y recopila verdaderas joyas de la bossa en las versiones originales. Canciones como Essa mulher en la voz de Elis Regina, Besame mucho en la voz de Joao Gilberto o Samba do aviao en la voz de Antonio Carlos Jobim, son una verdadera muestra de la bossa en su punto más justo. También encontramos bellezas como Estate de Joao Gilberto, Falando de amor de Antonio Carlos Jobim; entre otros.

Fernanda Takai - Onde Brilhem Os Olhos Seus
Esta tarea difícil la de seleccionar discos de artistas brasileños, porque todos son tan buenos... Pero hay una nueva artista que es Fernanda Takai y su disco debut, Onde Brilhem os olhos seus, es una verdadera maravilla. Se dice que Takai es descendiente de japoneses, por su fisonomía japonesa y su cuidado look, ya que siempre en su vestuario hay vestidos con aspecto de kimonos o de diseño inspirados en lo japonés. Lo cierto es que es una artista más que prometedora y en este álbum, que también tiene todo un diseño minimalista y con ideogramas nipones, hay canciones de grandes artistas como Caetano Veloso, Chico Buarque o Roberto Carlos, pero exquisitamente interpretados.
Fernanda Takai, de 37 años, nació en Serra do Navio. A los 16 años forma parte de la banda de Pato Fu, cantando, componiendo y tocando. Si algo define este disco es la gracia y buen gusto, la elegancia y discreción, junto con una mirada de Oriente Medio donde participar de la sensibilidad y la inteligencia de la música de Fernanda Takai.

Lisa Ono - Ipanema
Lisa Ono es una popular cantante japonesa de bossa nova. Nació en São Paulo (Brasil) en 1962, pero a los 10 años se trasladó con su familia a Tokio, donde su padre abrió un popular restaurante de comida brasileña, el Saci Perere.
A partir de entonces pasó la mitad de cada año en Japón y la otra mitad en Río de Janeiro.
Gracias a Paulo y Daniel Jobim, hijos de Antonio Carlos Jobim, realizó en este disco, Ipanema, una selección de canciones en forma de homenaje para celebrar los 80 años del compositor. En todo el álbum se vive un clima intimista, donde Lisa Ono interpreta sutilmente los clásicos de Jobim. Claro está que cuando uno encuentra otro disco más del famoso compositor, dice “otro más!”, pero acá es diferente, ya que es un precioso disco, que navega entre climas de una tranquilidad japonesa y el color de la Bossa Nova. Un suave disco para disfrutar en los atardeceres de la furiosa ciudad.

Música de películas por Alejandro Zarate

Vier Minuten (cuatro minutos) Sountrack -Ariola Germany
La película comienza con un día de lluvia, una señora de pelo blanco, llevando su piano a una cárcel de mujeres. Cuatro minutos, es un homenaje a la música, es la historia de dos mujeres, una que sustituye a la pasión humana con la obsesión de la música, la otra trata de huir de todos sus recuerdos que tienen que ver con la música, pero sigue vinculándose con ella.
Una es lebiana y la otra no sabe, pero entre las dos, la música va ir tejiendo una historia, llena de gestos, lamentos, malos tratos, pero una especie de amor mezquino ira tiñendo la historia. Esta es una de esas bandas de sonido que sorprende y atormenta al mismo tiempo, tiene todo el disco el podes de queres escuchar una y otra vez, como es como una obra por si sola. Annette Fockts es quién compuso la mayoría de los temas, también quién ayudo al director a seleccionar música clásicas de Mozart, Beethoven y Schumann, que le dan luz a las abrumadoras imágenes. El trabajo de Annete Fockts es impecable, sobre todo en los temas en que mezcla sus composiciones con música argelina, la función entre lo clásico y lo africano, resulta de una embriagadora belleza.

Saturno Contro Sountrack - RCA Italiana
Otra banda sonora del una pelicula de Ferzan Ozpetek, donde el director turco esta vez regresa al melodrama y la historia esta centrada en una pareja gay y sus amigos. No sé si esta película de Ozpetek es buena, está bien dirigida, está bien escrita, se parece a las anteriores, anticipa las posteriores o vaya a saber qué. Yo, lo único que sé es que me emocioné con la película y mucho más cuando escucho una y otra vez su banda sonora. Esta vez el director convoco a componer el sountrack a Aldo De Scalzi, quién ya había trabajado con el la película Baño Turco en 1997, esta vez también hay una muerte, pero la música hace que no sea una despedida dramática, sino un adiós, ya que en esta película Ozpetek, se apoya mucho en la música y cada tema, sirve de pañuelo para secar las lagrimas, ya que es la película más triste del director. Pero la banda sonido goza de vida propia y la música tiene momentos brillantes, con mucho de Piazolla. Pero más allá de las composiciones de Aldo De Sclazi, encontramos una magnifica interpretación de Serge Gainsbourg por Carmen Consoli, una de las estrellas de la canción en estos momentos en Italia y dos joyitas, como las canciones Remedios interpretada por Gabriela Ferri y Zoo be zoo be zoo por Sofia Loren.

Caramel - Original Sountrack - Naive
Caramel es una película libanesa con coproducción francesa, dirigida por Nadine Labaki, esta situada en el Líbano, lugar difícil para las mujeres si lo hay...
Cinco mujeres en un salón de belleza, donde se van tejiendo historias de cada una, donde la directora bucea en la intimidad de cada personaje, dando una pintura de la sociedad libanesa en la actualidad. Rima es lava las cabezas en el salón y se sente muy atraída por las mujeres en especial por una clienta, en este salón los temas de conversación, serán de sexo, hombres, maternidad, infidelidad, temas casi prohibidos en la calle y mucho menos tratados por las mujeres.
La música esta compuesta por Khaled Mouzannar y es una verdadero festín para los oídos, música libanesa que se va fusionando con exquisitas piezas para piano. Tango El caramel, es el tema que abre el disco y cada track que siguen es uno más hermoso que otro. Pocas veces un sountrack es tan excepcional. Cada tema, es como música que nos invita a la confidencia, la misma que plantea la emocionante película de Nadile Labaki. El disco esta editado por el sello frances Naive ósea que no es difícil de conseguir.

The Edge Of Heven Original Sountrack- Essay Records

Una de las mejores películas del 2007, aun no estrena en Argentina, dirigida por Fatih Akin, es una coproducción alemana turca. Es una película sobre el perdón, sobre la diferencia. Es la historia de seis personas que viven en Alemania y Turquía, cada una se perderá en las calles de Estabur y llegaran a un punto en común. Con un excelente guió, fotografía y una banda sonora de esas que cuando termina la película, salís corriendo a conseguir...
El amor de dos mujeres, una turca y otra alemana, el amor entre un hijo y su padre, son los puntos más importantes del film. La película tiene toda su banda sonora con canciones de distintos interpretes de Estabuld, música de la calle y cinco temas compuestos por Shantel, que es un músico alemán, En 2007, publicó a su primer disco solista, Disko Partizani, el cual tuvo su mayor éxito en Austria, dónde llegó al puesto 17 de los ranking de venta. El se destaca por mezclar la electrónicas a la música popular de los Balcanes.
La música balcánica, los ritmos electrónicos y el pop turco, dan forma a esta banda de sonido sorprendente que navega por Estambul y el Mar Negro.

Kelli Connell

Tapas de los discos que estoy escuchando todo el tiempo de ECM

Melos - Vassilis Tsabropoulos

El pianista Vassilis Tsabropoulos y la violoncelista Anja Lechner ponen su énfasis en Melos. Cánticos enfocados en gran parte en la escritura del filósofo rebelde Georges Ivanovitch Gurdjieff (1866-1949) -para quien la composición musical era más un medio que un fin, alentando a sus estudiantes a esforzarse y así llegar a un estado más alto de conciencia y tomar un mayor control de sus vidas- produciendo cinco temas de Tsabropoulos que reflexiona sobre su propia voz, interpretando como una transición sin cortes entre dos segmentos de Gurdjieff. Melos dibuja en tres composiciones relativamente breves de Gurdjieff que actúan como puntos de encuentro direccionales, pero colocando el mayor énfasis en la escritura de Tsabropoulos.

Tsabropoulos y Lechner son músicos entrenados clásicamente que no han demostrado ninguna escasez de perspicacia improvisacional en otros álbumes ECM incluyendo el disco de trío de 2004 del pianista con el bajista Arild Anderson y el baterista John Marshall, The Triangle, y el incomparable dúo de 2007 de la violoncelista con el bandoneonista Dino Saluzzi, Ojos Negros. Con la escritura de Gurdjieff basada en improvisaciones y contando con la estructura definida por su asistente, Thomas Alexandrovich de Hartmann, Chants proporcionó a Tsabropoulos y Lechner con una medular libertad interpretativa. La escritura de Tsabropoulos para Melos, mientras que no es menos formalmente construida, proporciona una libertad aún mayor, aunque dentro de un contexto musical que permanece más cercano a la esfera clásica, su énfasis armónico, la mayor parte del material presta una mirada hacia el este.

La suma del percusionista U.T. Gandhi, un miembro de la familia ampliada del bandoneonista Saluzzi en Juan Condori (ECM, 2006), da a Melos su propia personalidad, aunque su ejecución aquí es bastante sutil, con un trabajo de platillo delicado que proporciona el movimiento apacible en el tema con sabor oriental de Gurdjieff "Tibetan Dance" Un poder mayor conduce a Tsabropoulos en "Gift of Dreams". donde la interacción intuitiva de Gandhi durante el dramático solo del pianista se acerca a la clase de variada intensidad vista en otro artista de ECM cuyo acercamiento es igualmente cercano al mundo clásico, Ketil Bjørnstad.

Pero mientras Melos posee a una cierta majestuosidad ("Song of Gratitude") y, de vez en cuando, una energía ferviente ("Sayyid Dance" de Gurdjieff y la aguda y breve "Reflections" de Tsabropoulos), también conserva un poco de la belleza casi ambiental de Chants (la reservada "Simplicity") y la espiritualidad (la continuada oscuridad de "Evocation", destaca la conmovedora llamada-y-respuesta de Lechner con Tsabropoulos).

Además del acercamiento improvisacional de Lechner y Tsabropoulos desde una posición simpática de fondos musicales similares, su crecimiento como dúo es palpable, no solamente en su sentido creciente de libertad, sostenida por Gandhi, sino en los momentos reflexivos, pensativos donde ellos hablan con una sola voz. Ambos son virtuosos músicos, cuyas fuertes personalidades se evidencian en todas las partes del programa de Melos. Pero es en el conmovedor, "In Memory" donde su comunicación se hace tan profunda, tan consumada, que Melos se convierte en una experiencia realmente transcendente. La música por sí misma se hace casi secundaria a una capturada intimidad compartida tan maravillosamente para hacer cada sucesiva audición una experiencia nueva y más provechosa.

Fuente: John Kelman para allaboutjazz.com - Traducción: La Bestia Políglota

Tethered Moon - Experiencing Tosca

Masabumi Kikuchi, piano
Gary Peacock, bajo
Paul Motian, batería

Por configuración instrumental, orientación expresiva y talante investigador, Tethered Moon bien podría compararse con el ilustrísimo trío de Keith Jarrett, sobre todo en su faceta más libre. De hecho, ambas formaciones mantienen como nexo de unión al contrabajista Gary Peacock, verdadero prodigio de adaptabilidad.
La reunión del pianista japonés Masabumi Kikuchi con Peacock y el batería Paul Motian, otro icono del jazz de la segunda mitad del siglo XX, data de principios de los años 90. Al principio, el grupo funcionó de manera intermitente, aunque su inmediata empatía emocional les permitió grabar dos discos para el mercado japonés. Lógicamente, el reconocimiento internacional tuvo que esperar hasta su primera grabación para el anterior sello de Stefan Winter, JMT, compendio de fantasía de alto nivel intelectual dedicada a la música de Kurt Weill.
Ya bajo el emblema Winter & Winter, prosiguieron su trayectoria con sendos discos "monográficos" consagrados a Jimi Hendrix y Edith Piaf. Con estos antecedentes, no era nada fácil adivinar cuál iba a ser su próximo objetivo; el trío no ha decepcionado y ha dejado volar de nuevo su imaginación con un disco centrado en ciertos pasajes de Tosca.
Como siempre que se acomete una iniciativa de estas características, la polémica está servida. A los amantes de la ópera en su estado original, Experiencing Tosca, les parecerá poco menos que una broma de mal gusto, pero a aquellos aficionados que prefieren despojarse de togas dogmáticas para disfrutar sin prejuicios de la investigación, fecunda y rigurosa, tienen en este disco un espléndido objetivo de atractivo velado que necesita repetidas escuchas para descubrir toda su belleza.
Kikuchi relata que el promotor involuntario de esta idea fue Miles Davis, quien en su momento planeó grabar junto a Gil Evans algunos fragmentos de la obra. El descubrimiento de Kikuchi le hizo familiarizarse con la ópera de Puccini hasta el punto de enamorarse de su romántico verismo. A pesar de todo, Kikuchi insiste en que Experiencing Tosca no es un disco conceptual. El argumento casi esquemático de la obra y sus descubrimientos puramente musicales, permiten al trío desarrollarla con libertad más que justificada.
El fin prioritario de Tethered Moon es profundizar en la compenetración y acompasar el pensamiento colectivo. Por eso, apoyados en sus brillantes dotes técnicas y expresivas, a Kikuchi, Peacock y Motian les basta algún pequeño motivo de cualquiera de los pasajes de los tres actos de Tosca para improvisar en busca de nuevos posibilidades que, al mismo tiempo, rinden homenaje a la modernidad de su compositor.

Federico González

Doce canciones de Charles Ives

Lo primero, vayamos al grano: ¿se pueden recomendar las canciones de Ives que nos ofrece Theo Bleckmann en Winter & Winter después de haber hecho lo propio desde estas mismas páginas con las que cantaba Jill Feldmann para Olive Music? Y a la respuesta: sí. ¿Se pueden comparar? Eso ya es otra cosa, pues el planteamiento es muy diferente aunque coincida en algo que señalábamos entonces como un dato de la selección de las canciones hechas por Feldman –aquí coinciden Songs my Mother Taught Me, Like a Sick Eagle, At the River y Weil auf Mir- y que se observa en los arreglos del propio Bleckmman y del grupo que le acompaña –Kneebody-: el sabor americano, la sensación de que estamos en un clima determinado creado por un músico que ayudó a hacerlo de recibo y que sigue suscitando ante nuestros oídos un paisaje también visual. Feldman hablaba de su selección para justificarlo mientras en Bleckmann es el ambiente sonoro y determinados detalles, guiños, centelleos, un tambor, una trompeta –At the River es paradigma de todo el procedimiento. El sintetizador manejado por el propio Bleckmann crea un oleaje a veces, un bajo continuo otras. Y su voz se mueve con la delicadeza y la soltura de un buen crooner que supiera muy bien el terreno que pisa. Convengamos en que este de las canciones puede ser un Ives más inofensivo, capaz de apelar a Keats o a Lenau en sus letras pero también a sí mismo o la tradición de los espirituales. Bleckmann y su gente trazan una línea delgada y aprehensible que une cada canción en un conjunto con algo de hipnotizador, que ya no es sólo Ives, por descontado, que les pone a ellos en el punto de mira de lo que para unos será glosa y para otros una traición llena de buenas intenciones. Lo que está claro es que el gran compositor americano se deja hacer y que se le trata con absoluto respeto. Especialmente interesantes son las apelaciones al Ives orquestal, al más renovador, al más personal, como sucede al final de Like a Sick Eagle o, sobre todo, en Waltz, todo un homenaje definitivo, un cierre soberano para un disco muy de la casa –de Winter & Winter, quiero decir- y, por eso, mismo, lleno de cosas dentro.

Pablo Batallán

Ernst Reijseger - Tell Me Everything

... al inicio (del cedé, de la música, de la tarde...) no se oye nada sino la música del viento haciendo temblar las hojas, su estremecimiento sobre los campos de trigo de la Toscana y más lejos, los de la Maremma... [y el viento, cargado del olor tan dulce de su cabello, el calor de su cuerpo mezclado secretamente con el olor de la tierra y de las hojas enmohecidas, en la humedad pesada de las lagunas, mientras la vegetación invade los jardines de Volpaia...] y en el viento como una cosa viviente, como una respiración, se deslizan unos sonidos venidos de no sé qué islas con ese ritmo de fandanguillo tocado por un violonchel(ill)o que imita una guitarrilla... Y empieza la aventura, la exploración del violonchelo (tell me everything, todo lo que quise saber sobre el violonchelo etc.) con diferentes utiles o técnicas: los glissandos o glissandi (diría o decía Jorge González Giner), los grandes arpegios a lo Back to Bach, los pizzicati, el falsetto, la masa sonora compacta...

... y en esas fricciones o fruiciones armónicas con acentos extraños, como recuerdos agridulces de un país o de un tiempo suspendido ¿es la música lo que renace de eco en eco, borrando las edades, pasando de voz en voz, de soplo en soplo...?

... y esos compositores, Reisjeger, Yasuda... ¿cómo definirlos...? unos músicos que no miran fijamente en frente, que no navegan hacia esas aguas del porvenir, átonas y monocromas, sino en las aguas del pasado, agitadas y coloreadas por el tumulto de las horas idas... una música que no parece saber lo que busca, y ese « no saber... » más o menos fingido, ese ligero desorden, esa posición algo oblicua, forman lo esencial de su identidad o de su originalidad... es una suerte de juego con lo que se escapa, un juego —se diría— sin proyecto, con algo siempre inasequible, siempre por venir, una espera nunca colmada... acaso la espera de una cierta voluptuosidad...

Pierre Élie Mamou

Klaus Nomi

Klaus Sperber (Immenstadt im Allgäu, 24 de enero, 1944 – Nueva York, 6 de agosto, 1983) mejor conocido como Klaus Nomi, era un contratenor de origen alemán, que ha sido vastamente reconocido por sus únicas e inusuales interpretaciones vocales y por fusionar la ópera con el rock y el pop. Nomi ha sido recordado por sus extravagantes actuaciones teatrales, su maquillaje recargado, su extraño vestuario futurista, y su peinado único y estilizado que exageraba las entradas de su cabello. Especialmente buscaba dar la imagen de que era un extraterrestre que había caído de una galaxia más glamorosa para cantar a través de su condición de falsetto.Sus composiciones musicales eran singulares, y abarcaban desde interpretaciones en sintetizador de la ópera clásica y hasta varias versiones de canciones de pop como “El Twist” de Chubby Checker y “Lightning Strikes” de Lou Christie.

Carrera artística
En 1972, Nomi se unió a la compañía de teatro de Charles Ludlam, y apareció en una producción satírica de tipo afeminado basada en la ópera titulada “El oro del Rin" (en alemán: "Das Rheingold") perteneciente al compositor Richard Wagner. En esta presentación, Nomi desarrolló por primera vez la imagen escénica de extraterrestre.
Sin embargo, Nomi llamó la atención del escenario artístico de Nueva York en 1978, con su participación en la obra “New Wave Vodevil”, un evento con duración de cuatro noches, organizado por el artista David McDermott y donde se realizaron aproximadamente treinta actos interpretados por distintos personajes del ambiente artístico.Vestido con un ajustado traje espacial y con una capa de plástico transparente, Klaus cantó el aria “Mon coeur s’ouvre a ta voix” ("Mi corazón se abre a tu voz") de la ópera Samson et Dalila de 1877 compuesta por Camille Saint-Saëns. La presentación culminó con un una caótica iluminación estroboscópica, bombas de humo, y estridentes sonidos de efectos electrónicos, mientras Nomi se alejaba del escenario. Joey Arias recuerda, "todavía se me eriza la piel cuando lo pienso… Era como que si él fuera de un planeta diferente y sus padres lo estaban llamando para que vaya a su casa. Cuando el humo se aclaró, el desapareció."[9] La reacción fue irresistiblemente positiva y recibió numerosas invitaciones para que se presentase en clubes alrededor de toda la ciudad de Nueva York.
Nomi fue ganando confianza en sus presentaciones y juntó a un grupo de prometedores artistas para que colaborasen como bailarines y coristas en sus variadas funciones, e incluían personalidades como Joey Arias, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, John McLaughlin (quien también usaba el pseudónimo “Johnny Sex”), Madonna y Kenny Sharf.
David Bowie, había escuchado sobre las presentaciones en Nueva York de Nomi, y después de tener la oportunidad de conocerlo a él con Joey Arias durante una noche en el club nocturno “Mudd Club”, los contrató a ambos como coristas para su aparición en el programa televisivo Saturday Night Live, el cual se estrenó el 15 de diciembre de 1979, y donde interpretaron la canción “The Man Who Sold the World”. Sin embargo, Bowie nunca los volvió a tomar en cuenta a Nomi y a Arias. No obstante, esta presentación con Bowie, le abrió las puertas, y es así que recibió el apoyo de la discográfica RCA, y produjo su primer álbum titulado Klaus Nomi, en 1981. Éste disco incluye sus primeros éxitos: “Total eclipse”, “The Cold Song” y “Mon coeur s’ouvre a ta voix”, entre otras. Nomi alcanzó gran popularidad, y realizó una gira musical por diversos países europeos y norteamérica. Además realizó diversos vídeos, como el documental, “Urgh! A Music War” (1981), que trata sobre el rock, y donde se exhibe la presentación en vivo de Nomi, “Total Eclipse”.De acuerdo con Kristian Hoffman, Nomi es más recordado por el público por su interpretación de la canción titulada “The Cold Song”" o “El aria fría”, de Henry Purcell, perteneciente a la obra “El rey Arturo”, tercer acto.
Nomi, en su canción “Total eclipse” hace diversas referencias a la obra Sansón de Handel. Principalmente en el oratorio de Handel, Sansón es prisionero de los filisteos, y Nomi en su canción sustituye su propio destino con el de Sansón. Más claro, para Nomi los filisteos equivalen a la sociedad heterosexual que rechaza a los homosexuales.
Nomi también realizó una colaboración con el productor Man Parrish, apareciendo como corista en la pista “Six Simple Synthesizers” del álbum llamado Hip Gop Bee Bop.En 1982 publicó su segundo disco titulado Simple Man, que contiene una mezcla de canciones pop y de ópera. Entre los temas más importantes están canciones compuestas por John Dowland, extractos de la ópera Dido y Eneas (Purcell), “Falling in Love Again” de la película El ángel azul que es un clásico cantado por Marlene Dietrich, y “Ding Dong the Witch is Dead" del filme El mago de Oz, entre otras. Desafortunadamente, tuvo que alejarse abruptamente de los escenarios en 1983, debido a que su salud empezó a decaer.

Fallecimiento
Tuvo una corta trayectoria musical, falleciendo el 6 de agosto de 1983 a consecuencia del sida, convirtiéndose en uno de los primeros famosos en morir a causa de la enfermedad, en una época en donde se creía que era la plaga de la comunidad gay y se conocía muy poca información sobre esta.
Nomi murió a los 39 años, abandonado durante sus últimos días de vida por la mayoría de sus amistades cercanas y asociados.Sus cenizas fueron esparcidas en Nueva York, de acuerdo a su expreso deseo

Todos amamos a Glenn Gould

Blonde dans la casba - Biyouna

En ‘Blonde dans la casbah’, segunda propuesta musical de Biyouna después de ‘Red Zone’, se combina lo árabe, el cabaret y la canción francesa.
“Es un disco mestizo que, a través de su voz, enseña la realidad de Argelia, su alma más profunda, y en el que también participan los grandes cantantes franceses Didier Wampas y Christophe”.
Se trata de un repertorio franco-argelino que conecta con la influencia de la cultura gala en su identidad como ciudadana argelina, y que Biyouna define como “una gran historia de amor y de todo lo contrario”.
La cantante define su nuevo trabajo como “muy profesional”, una experiencia de la que se siente orgullosa, que le ha permitido “conocer otras culturas, otros colores y otros ritmos”.
Sus ritmos mezclan la música chaâbi, la canción francesa, el country y el ska con “la riqueza cultural argelina”. Y todo para transmitir “el mensaje universal de la paz y del amor a través de algo muy local: el sufrimiento del pueblo argelino”.
Este mensaje encuentra un contundente porqué en boca de Biyouna: “Porque soy ciudadana del mundo, porque amo la paz y repudio la guerra, la violencia y la pobreza”, declara.
Su compromiso con la paz y su “dolor por los que no tienen voz en Argelia o en cualquier pueblo” no le permite distinguir entre cantar y actuar. “Cuando canto, me siento una actriz”, dice esta artista. Según ella, cantar y actuar son dos actividades unidas: “Es inevitable. Para expresar, antes hay que sentir”.

Under the Rainbow - Hawai'i

No se sabe todavía si las gigantescas piraguas alcanzando los 40 metros de longitud, con sus dos cascos unidos por una plataforma donde viajaban hombres y animales, vinieron del este o del oeste. Los animales como el pollo o el cerdo indican un origen asiático, mientras la patata apunta hacia América. Entre todas las islas, archipiélagos y lagoons, Islas Salomón, Nueva Caledonia, Nuevas Hebrides, Papua Nueva-Guinea... las Hawai'i (bien escrito en el cd) son las de más amables músicas y se decía de las gentes más amables también, y no por ello se salvaron más que los fieros guerreros; hace veinte años, una delegación científica tras las pruebas nucleares francesas aseguraba que la radioactividad podía seguir contaminando las aguas del Pacífico Sur durante quinientos o mil años. Tampoco se sabe si hubo en Hawai'i esa música diabólica (no queda ni rastro) de los conjuntos de flautas (conjunto de hasta 20 instrumentos, de hasta dos metros de longitud, con sus músicas compuestas y firmadas por autores individuales para las grandes ceremonias, nacimiento, muerte, construcción de una piragua o de una casa) silbatos y trompas, antaño arrebatadas por los antepasados a los mumu, los dioses salvajes inventores de la música, y que los misioneros no consiguieron quemar del todo en las demás islas del Pacífico.

Tras un paisaje sonoro del Océano Pacífico algo débil (hablo del paisaje sonoro: es siempre, con perdón, el punto flaco de W & W) el cd empieza magníficamente, no por la música dulzona de un pueblo reducido a una vil parodia de feliz salvaje con el c... al aire, sino por el recuerdo milagrosamente conservado, de la tradición melanesia del grito, de la llamada de alegría, de la voz confundiéndose con el sonido de la caricia de dos hojas, la ola rompiendo en un arrecife, el gemido de unos amantes, o la vociferación que hace estremecerse las nubes mientras las palmas y los palos, sordos y roncos, antiguos mástiles y lanzas, baten la tierra, se hunden y salen agarrando su hígado y su corazón, músicas impregnadas por un intenso sentimiento de terror y veneración; vago recuerdo de una institución grande, singular, temible, que el tiempo, quizá, había dotado de un carácter sagrado, un tiempo en el que cada día se levantaba el sol sobre dos cosas magníficas: la marea y la guerra. Un eco lejano del canto de ira de las Nuevas Hebrides, que quizá oyó el generoso Lapérouse al morir bajo las lanzas de Vanikoro en 1788.

Junto con esas músicas, las guerreras, las machas, que acompasan el cd no faltan se deslizan los ríos, estallan las cascadas transparentes en la mañana, y produce aquel soñador sonido de burbujas, guitarras slack key, ukulele, voces en falseto, volando en los ágiles labios: sillones coloniales en la veranda, hidroaviones amerizando en el arco iris, cantos de bienvenida, minifaldas de hojas y topless... el tiempo del placer está por llegar. "¡Ja! ¿Nuestro porvenir?" dijo Pualani a un joven músico de paso, mientras ambos miraban las ballenas a lo lejos "un tiempo negativo, un por-venir que no llegará"

Pierre Élie Mamou - diverti
Halau O Keaunui: voz, danza, percusión

George Kuo: guitarra
William T. Greig: contrabajo

The 'Ohana
Noelani Mahoe: guitarra, voz, 'ukulele
Lawrence Pau: falsetto, 'ukulele
George Kuo: guitarra, voz
Al Machida: 'ukulele, voz
Harold Haku'ole: steel guitar
William T. Greig: contrabajo, voz

Gordon Mark: 'ukulele

Hawai'i Youth Opera Chorus - Angeli Ensemble
Stacey Mailelauli'i Naki: dirección
Phil M. Hidalgo: piano

KoAloha
Alvin Okami: 'ukulele, voz
Alan Okami: bajo eléctrico, voz
Paul Okami: 'ukulele

Ho'oheno
Nickie Hines: guitarra, voz
Scotty Ho'oheno: steel guitar, voz
Kaipo Asing: contrabajo, voz

Gianluigi Trovesi all'opera - Profumo Di Violetta (ECM)

Gianluigi Trovesi All'Opera Profumo Di Violetta
Gianluigi Trovesi piccolo and alto clarinets, alto saxophone
Marco Remondini violoncello, electronics
Stefano Bertoli drums, percussion
Filarmonica Mousiké Orchestra winds and percussion
Savino Acquaviva conductor

El gran arqueólogo italiano del jazz, Gianluigi Trovesi regresa con otro disco magistral "Profumo di Violetta" donde complace su amor por el drama emocional y la belleza musical a la ópera italiana. (El título alude a la vez protagonista de la famosa ópera de Verdi "La Traviata" ) Acompañado por una gran orquesta de vientos con gran percusión , Trovesi nos lleva en un viaje a través del humor y la historia del género. Se inicia con la Monteverdi "Orfeo", incluye muchos más destacados como "La traviata" antes de visitar brevemente Mascagni y Puccini. Popular y lo sublime, la ironía y patetismo irrestricta cumplir con un espíritu de improvisación que transmite la pura alegría de hacer música.

Refuge Trio = Bleckmann, Versace y Hollenbeck - Winter&Winter

Theo Bleckmann, voz, procesado electrónico en directo
Gary Versace, piano, acordeón y teclados
John Hollenbeck, batería, percusión, crotales, vibráfono y glockenspiel


‘Irreal’ es la primera palabra que asoma cuando uno se enfrenta a Theo Bleckmann. Y no es una crítica, sino la descripción de una voz desmaterializada, de angelicales registros casi blancos y sinuosas líneas, capaz de saltar grandes intervalos sin aparente esfuerzo, de forma casi instrumental. Un algo de “no de este mundo” que también posee su biografía, como salida de la imaginación de Tim Burton: huérfano abandonado, campeón de patinaje, descubierto por Sheila Jordan en una de sus habituales clinics en Austria, aficionado al cabaret, letrista y guionista, autor de una obra con máquinas de coser que encuadernan la partitura de la misma… Todo podría parecer anecdótico si no reflejase de forma tan adecuada el arte técnicamente exigente y la imaginación lunática, entre un dulce lirismo y un suave toque grotesco, de Bleckman.

Habrá quien lo descubriese o se desconcertarse ya con su aparición como instrumento solista junto a Dave Douglas en el Force Green de Mark Dresser, a dúo con Sheila Jordan, en las partituras de gran banda de John Hollenbeck o en los interiorizados discos de Ben Monder. Pero esa es sólo su faceta más cercana a un jazz, digámoslo, idiosincrásico; también es miembro del ensemble vocal de Meredith Monk, y dentro del catálogo de Winter & Winter grabó Las Vegas Rhapsody junto a Fumio Yasuda y canciones de cabaret berlinés. Todo se mezcla en algo sin eje fijo, muy del marchamo de Winter, tan exquisitamente ajeno a cualquier género, participante de varias órbitas simultáneamente, personal y no del todo categorizable. Un agenerismo que el trío coliderado por Bleckmann expresa mediante una música que busca la belleza de lo pequeño, lo leve, lo frágil y lo onírico.

Más que temas, el trío crea auras sonoras por medio de la ondulante voz de Bleckman y láminas y cuerdas vibrando suavemente; un atmosferismo, a la vez escrito y producto de la improvisación, que persigue una evanescencia expresada en el estribillo de To What Shall I Compare This Life. Esa vocación de retiro, recogimiento y protección se expresa en el nombre del grupo, Refuge Trio, tomado de Refuge of the Roads de Joni Mitchell, corte con el que, en solitario, da Bleckmann inicio al álbum. El material en él incluido es profundamente heterogéneo, con las versiones de Misterioso de Thelonious Monk, y de Peace de Ornette Coleman, una atípica lectura en la cual los instrumentos comienzan en puntos distintos hasta coincidir en la exposición final del tema, así como piezas que se acercan a la canción de cuna, a lo oriental, a lo hímnico, a la tintineante cajita de música. En esta colección de cortes en solitario, a dúo y trío, la coordinación jazzística del grupo es impecable, no en vano la colaboración de Bleckmann- Hollenbeck data de largo tiempo, y el multinstrumentismo de Versace, cuyo background es el más estrictamente jazzístico, está empleado con gran tacto sin recurrir a esquemas y planteamientos habituales en esta música. Fina filigrana en este tejido de frágil y livianísimo brocado.

Ángel Gómez Aparicio

Noël Akchoté - Toi-Même

En El Conde de Montecristo, el protagonista explica cómo se da un beso de cocinero: se llena la boca de una mús de paté de jabalí con armagnac y besa largamente a su pareja... Dumas, o Montecristo, tiene razón: ¿para qué hacer las cosas a mitad? ¡Ahondemos en las sensaciones! Y así, de vez en cuando, el conde de Winter & Winter se encanalla y escoge como compañero de correría a Noël Achkoté (En el burdel, por ejemplo). El guitarrista Achkoté nos invita (Tú mismo, dice el título del álbum) Chez Fernand, uno de esos restaurantes de las afueras de París donde no llegó la nouvelle cuisine, restaurantes frecuentados por obreros de día y criaturas de los bajos fondos de noche, que son los que participan en la fiesta grabada en este CD: un poco de paisaje sonoro urbano, un toque de performance (con poetas incluidos: John Giorno, saliendo de un largo exilio o silencio), momentos chispeantes (Otto Lechner, acordeón), miradas nostálgicas o ajadas sobre el blues (Laetitia Sheriff), homenajes a los clásicos de la chanson (Red canta a Leo Ferré), unos números que se inscriben en la tradición del cabaret francés (reflexiones filosóficas sobre la imposibilidad de empalmar en el momento adecuado; Jean Louis Costes), y como guinda, una suerte de rap en el que Kevin Blechdom y Jean Louis Costes comentan sus técnicas masturbatorias y la dimensión de sus sexos...

... el oyente se encuentra un poco en la situación de ese personaje de Pavese que se pregunta cómo puede pasar al lado de tantas gentes sin interesarse por su pena. Luego todo se vuelve confuso y lento, no me entero de lo que dicen... como si los intérpretes, en medio de sus risas cómplices, a pesar de ellas, estuviesen utilizando sus últimas fuerzas para intentar aceptar su muerte, sabiendo que una muerte tan cruda no puede aceptarse... Acaso por ello, esos bruscos esfuerzos de dignidad, ese cansancio infinitamente continuado, desordenado para seguir viviendo... viviendo en ruinas, en campos de despojos que se parecen a una megalópolis tras el fin de la civilización, e incluso tras el fin de la barbarie

Pierre Élie Mamou

Noël Akchoté, guitarras eléctricas y dirección
Han Bennink, batería
Kevin Blechdom, coros, piano, banjo, arpa de boca
Jean-Louis Costes, coros, piano
John Giorno, voz, poesía
Brad Jones, contrabajo
Otto Lechner, acordéon
Fritz Ostermayer, coros, portátil, electrónica
Red, coros y guitarra eléctrica
Sebastian Reier, plato giratorio
Andrew Sharpley, coros, teclados, sampler
Laetitia Shériff, coros, guitarra barítono, bajo eléctrico