AlejandroZarate

Schumann's Favored Bar Songs - Fumio Yasuda y Theo Bleckmann

2010-03-02T09:36:00.000-08:00

... hay en estas canciones, As Time goes by, o el admirable Anoche cuando éramos jóvenes de los autores de Over the Rainbow, esa misma mezcla de encanto/desencanto de la cínica frase de Tayllerand “quien no ha conocido las vísperas de revolución no conoce la dulzura de vivir” y traduzco –no muy bien– del francés, pues no tenemos aquí algo para decir la douceur de vivre o su equivalente italiano la dolce vita; algunos hablan hoy de “la buena vida” pero no es exactamente lo mismo, acaso porque sus adictos lucen barriga y papada que —también acaso— les quitan algo de glamour y extravagancia.

... una mezcla de encanto/desencanto pues... prodigioso equilibrio que viaja sin envejecer hasta el repertorio interpretado por Theo Bleckmann y Fumio Yasuda evocando el mundo o las novelas de Scott Fitzgerald y de su bella y excéntrica esposa, Zelda Sayre, autora del libro de culto Resérveme este vals, mundo frecuentado por los autores de esa generación perdida y los personajes que viven en la ficción de sus novelas o de esas canciones, seres fascinantes de pasado misterioso y de presente dudoso, y en el que se pasea Theo Bleckmann adoptando une posición algo rara, ni de pie, ni sentado, ni tumbado, sino, más bien, desparramado, diseminado entre las notas... Su voz, su estilo, tiene la apariencia de un traje de shantung algo usado, de una camisa arrugada olvidada en una silla... el cantante y su cómplice parecen encontrarse en una habitación que no es la suya en un hotel equivocado, tras haber franqueado acaso por distracción el límite de una época, de un decorado, tras haberse salido de un corro, un carrusel... únicos supervivientes del naufragio preguntándose dónde están los demás y hablándonos de todo eso y de todos aquellos, sin poder ubicarlos exactamente, ni a mí, acaso ni a usted tampoco... y es acaso la mejor manera de interpretar, hoy, esas maravillas que los norteamericanos llaman acertadamente standards: con un toque menos dramático que el recuerdo de Chet Baker, con un deje menos glam que el reflejo de Gatsby el Magnífico.

Pierre Élie Mamou
www.diverdi.com

Veinticuatro horas y un poco más en La Habana por Alejandro Zarate

2010-03-02T09:28:00.000-08:00

Hace dos años llego a mis manos un disco del sello Winter and Winter que se llama “El último paraíso. La Habana, Cuba”. En ese disco el director del sello, Stefan Winter, recorrió rincones de La Habana y grabo música interpretada por artistas en bares, restaurantes y plazas, logrando uno de los mejores registros musicales que se hayan realizado; en este disco también hay sonidos de las calles, de los chicos, del ambiente de una misteriosa y fascinante Habana. Ahí comenzó mi curiosidad por conocer esta isla aislada económicamente de casi todo el mundo. Hay tantas preguntas que me hice antes de este viaje y sin embargo todavía no puedo encontrar respuestas después de este viaje que hice solo por horas a esa ciudad caribeña.
Las agencias de viaje ofrecen paquetes muy armados para Cuba y a veces se hace difícil desarmarlos; pero no es tan complicado, como muchos dicen, hacer un viaje a Cuba sin estar organizado por agencias. Todavía recuerdo las palabras de una amable vendedora en una agencia de viajes que me decía que “La Habana es solo para dos días como máximo”. Evidentemente ella nunca estuvo en La Habana y por suerte no siempre me dejo llevar por estos comentarios, aunque esta vez al priorizar conocer las playas de Cuba, dejé solo dos días finales a mi estada en esa ciudad.

El fascinante y famoso Malecón

Llegué de noche a La Habana, con tiempo apenas para cenar y la recomendación desde Buenos Aires era no perderse comer en los “paladar”, casas de familia donde se puede almorzar o cenar comida cubana, atendido por los propios habitantes de la casa, con apenas unas pocas mesas en el patio o la pieza de la familia. Encontré uno donde atendían en un balcón con cuatro mesas frente al Malecón, la costanera sobre el mar de la ciudad, viendo pasar por este paseo a los enamorados, a los niños jugando, y a las olas rompiendo contra él. El menú fue inmejorable, y también su costo y cantidad, atendido con la humildad y la cordialidad de quien abre su casa para el viajero. Había empezado bien mi recorrido por la ciudad.
Al día siguiente decidí caminar por La Habana vieja, perderme en sus calles, conocer todos los rincones posibles de la cotidianeidad; no quería meterme en museos ni en lugares que no me permitieran vivir su ritmo.
Mi hotel estaba en uno de los vértices en donde comienza La Habana vieja, así que subí por el paseo de Martí hasta el Parque Central donde se encuentran varios edificios emblemáticos de la ciudad como el Hotel Inglaterra, el Hotel Plaza o el Gran Teatro, para desde allí tomar la peatonal, populosa y turística calle Obispo que se adentra no solo en los espacios que el viajero desea encontrar (antiguos negocios, hoteles bellamente conservados), sino también en la vida de la venta ambulante de productos y comida común del cubano.

Hemingway, el mojito y yo

Desde y por la calle Obispo se deriva a muchos emblemáticos lugares de La Habana, como el Hotel Ambos Mundos donde vivió Ernest Hemingway o el bar La Floridita, donde tomaba sus tragos. Tampoco escapa a este recorrido el mundialmente nombrado La bodeguita del medio, ese lugar donde se dice nació el famoso “mojito” (solamente ron, yerba buena, lima, azúcar y soda, aunque en muchos lugares le agregan “angostura”), y en donde al ritmo del bolero una mujer y un guitarrista pueden transportarlo a uno a los años 50 mientras se saborea el trago nacional.
Otros espacios maravillosamente conservados (hay un programa desde hace varios años que está restaurando los edificios de La Habana y del que ya se pueden ver grandes resultados) son la Plaza Vieja con sus hermosos cafés, la Plaza de la Catedral con el edificio que data del siglo XVIII, el convento de San Francisco de Asís hoy convertido en sala de conciertos, innumerables galerías de arte (modestas o modernísimas), artesanatos, bares y restaurantes. Una gama de lugares casi impensados hace tiempo atrás para quienes visitaban la ciudad y de los que también disfrutan los propios cubanos.

Más opciones para recorrer

Y el viaje sigue y la noche me encuentra en el majestuoso hotel Nacional, situado en la zona de Venado de La Habana, donde concurro a ver uno de los tradicionales shows nocturnos que compite con el del afamado Tropicana. Música, coreografías, sones cubanos y el invariable despliegue de colorido vestuario para atrapar al turista: convencional pero para confirmar que uno estuvo ahí.
La mañana siguiente se me hace carne el país y decido recorrer el Museo de la Revolución. Fidel Castro y el Che Guevara, figuras de ese movimiento que levantó a la isla en armas, componen gran parte del recorrido muy bien armado por el amplio edificio.
Para agregar a la lista de lugares para no perderse (y de los que en esta lista faltarán muchos por falta de tiempo), no dejen de recorrer el hermoso edificio del Capitolio, llegarse hasta la estación de trenes de la ciudad, deleitarse mirando la variedad de autos bien conservados y vistosamente pintados de la década del 40 y 50, y tantas otras imágenes que me vuelven como el andar de las negras que dan beso a los transeúntes con sus coloridos vestidos para la foto o los artistas callejeros pintando las calles de la ciudad. Toda una gama que por supuesto dos días en La Habana no hacen sino tener más ganas de volver que de hacer caso a lo que me dice una agencia de viajes.
Lo cierto es que cuando caminé por las calles de La Habana, ahí comprendí el nombre que le puso Stefan Winter a su disco: “El último paraíso”.

Guo Yue - Music, Food and Love - Real World

2010-03-02T07:21:00.000-08:00

El músico y cocinero Guo Yue, nos regala un evocador recorrido de su vida como músico, compositor y cocinero. El álbun evoca su infancia, cuando su madre lo llevaba al mercado y los olores se misturaban con los atardeceres rojos de Pekín. El ejecuta un tipo de flauta de bamboo llamado Dizi, cuyo sonido es de una sencilla y dulce melodía. Junto a la flauta Guo también ejecuta el erhu, un tradicional violín de dos cuerdas cuya proa se teje permanente entre las dos cadenas. El erhu tiene un inquietante sonido, casi una voz, que le aporta intensas atmósferas al disco . Este era el instrumento que tocaba el padre de Yue, que era un músico profesional que murió cuando él era una niño de cinco años. Entremezclado con los diversos instrumentos chinos se escuchan un acordeón, una mandolina, una orquesta de cuerdas, un contrabajo, percusión, un piano y una flauta de plata, todo complementándose mutuamente. Cada instrumento es como un personaje que convive en cada tema, como música de fondo de una cocina, donde hasta se puede imaginar los olores a brotes, soja, lemon grass, bamboo y en cada track se puede sentir hasta una wock sobre las llamas o el sonido del vapor de las las cocinas, cosa que Guo Yue lleva desde niño en su corazón.

Noël Akchoté - Toi Meme - WinterWinter

2010-03-02T07:20:00.001-08:00

Imaginemos diez músicos, comiendo y bebiendo; mientras tanto, en la mesa, cada uno canta, toca un instrumento... así se grabo el álbum y nosotros lo que escuchamos de este festín nos hace ser un comensal más invitado a la mesa, donde la comida y la música, combinan como una sola pieza. Chez Fernand es uno de esos restaurantes de las afueras de París donde no llegó la nouvelle cuisine, un lugar frecuentado por obreros de día y personajes de la noche, que son los que participan en la fiesta sonora grabada en este Toi Meme. El paisaje, cuando uno apenas escucha el disco se vuelve confuso, pero a medida que las botellas se descorchan y los músicos comienzan a comer, recitar poemas, cantar y filosofar hacerca del sexo, por ejemplo, hace que este magnifico disco adquiera brillo propio. Entre los talentos del proyecto encontramos a Noël Akchoté, que ejecuta guitarras eléctricas y realiza la dirección; Kevin Blechdom, en coros, piano, banjo, arpa de boca; Otto Lechner en acordéon y a John Giorno, en voz, poesía. Solo el sello de Winter Winter, creado por Stefan Winter, puede regalarnos este maravilloso documento

Jiří Bulis - Hosté na zemi

2010-03-02T07:19:00.001-08:00

Jiří Bulis, el músico y compositor checo, con este particular álbum Hosté na Zemi, evoca las largas tardes de invierno en Praga, tardes de té y tortas en los muchos de los cafés de esa mágica ciudad, con su arquitectura Art-Nouveau. En este disco Jiří, con pocos instrumentos y frescas canciones, regresa a la música tradicional checa. Muchas de ellas son las que se interpretan en vivo de fondo muy sutilmente en los cafés de la ciudad, pero sin perturbar las largas tardes oscuras de los inviernos de la misteriosa Praga. Ya desde la tapa del disco, nos invita a impregnarnos del té con koláčky”, las tortas checa y moravas, rellenas de semillas y queso, que son muy populares a la hora del té; también con el Medovník, que es un pastel de miel que, incluso en una de las canciones, da la receta: 100 gramos de mantequilla, 4 cucharadas de miel, 180 gramos de azúcar, 1 cucharadita de vinagre, 1 cucharadita de bicarbonato de sodio, 2 huevos y 700 gramos de harina. Este es un disco íntimo, melancólico e interesante, que nos transporta de nuestro Buenos Aires a sentir que estamos sentados en el Café U Tyna, donde se sirve el famoso licor de hierbas de Karlovy Vary, el Becherovka

Gateau Romantique , La musique des quatre saisons

2010-03-02T07:17:00.001-08:00

Quatre Saisons es una antigua patesserie que tiene una sucursal en Paris, pero curiosamente en Japon tiene más de catorce sucursales, incluyendo un café que se llama Café Quatre que esta en Kyoto. Es un tanto extraño encontrar una compilación de canciones seleccionadas inspiradas en la patisserie francesa no? bueno esto no es tan asi, ya que este disco es como un menu que se llama OH romantique y cada una de las canciones son como las especialidades de la casa. Quince canciones de la nueva escena de la canción francesa, todas muy suaves y románticas, pero a la vez una selección muy armónica y coherente . Por momentos uno parece esatr escuchando un disco retro frances de los años 60, pero también resulta un disco muy moderno. La edición merece elogios aparte, ya que viene en formato de librito y en cada pagina hay fotos de exquisiteses de la patisserie gala. Un trabajo que hace cosquillas al corazón, en especial si se lo acompaña con macarrons chocolat et au citron. Más info para paladares y oidos curiosos en www.quatresaisons.co.jp. Lástima que el sitio está solo en japonés.

Gregory Colbert

2009-08-24T09:34:00.001-07:00

Muchas gracias...

Paté de Fuá - Triste su hechizo de eterno vaivén

2009-08-24T08:58:00.000-07:00

Escuche este disco por primera vez en la zona del Zócalo en DF ciudad de México, desde ahí no pude dejarlo más. El álbum abre con La canción de Linyera, una nostálgica canción que no escuchaba desde pequeño, recuerdo que la canturreaba mi abuela, solo eso ya me hizo entregarme al disco.
Música Moderna, así se titula el álbum, llego a mi vida en un momento muy especial y ahí se instalo, hoy esta entre mis discos más queridos. Al escucharlo, puedo sentir el olor al cilantro, tacos de pollo, agüitas de Coyacán, incienso de la playa del zócalo, guacamole y vino rosado.
Pate de Fua. Este original y talentoso grupo musical fue fundado en México a fines del 2005 por Yayo González y Guillermo Perata.
Paté de Fua busca combinar distintas influencias y desarrollar una postura musical no abordada hasta hoy.
Con Paté de Fua podemos divertirnos, cantar, hasta ponernos tristes y como diría Yayo "Estúpidamente felices, sin razón alguna..."
Paté de Fua combina instrumentos musicales como acordeón, bandoneón, banjo, cavaquinho, corneta, bombardino, guitarra, contrabajo, batería y voz. El repertorio de Pate de Fua incluye dixieland, jazz, valses musette, fox-trot, tango, tarantelas, pasos dobles y distintos elementos de las músicas tradicionales del mundo, exploradas y compuestas por estos virtuosos y destacados artistas que desarrollan su creatividad con una actitud actual, que prácticamente no tiene antecedentes.

Pueden escuchar uno de los mejores track del disco:
http://www.youtube.com/watch?v=zRDA5H2H9gc

In The Mod for Love... and More - Wong Kar Wai

2009-07-31T13:59:00.000-07:00

Wong Kar Wai nos contaba en In The mood for Love una historia que se desarrollaba en Hong Kong en 1962 y en la que Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu-Wai), redactor jefe de un diario local, alquila una habitación en un apartamento el mismo día que hace lo propio Su Lizhen (Maggie Cheung Man-yuk), secretaria de una compañía naviera. Son vecinos de habitación. Por motivos de trabajo sus respectivas parejas los dejan solos durante cierto tiempo. Chow y Su se encuentran a menudo a solas en sus habitaciones y entablan una amistad, solo esa simple historia es una de las maravillas del cine. Así es que se editó una segunda banda de sonido de la película, pero este segundo disco lo recopiló Wong Kar Wai, porque son sus canciones preferidas y son las que de algún modo le recuerdan a su infancia, a la música que solo se podía escuchar en la radio en Hong Kong. En esta selección de temas encontramos I´m in the mood for love por Bryan Ferry, María Elena, Solamente una vez y Perfidia interpretadas por Nat King Cole, y también muchas canciones chinas del 50'. Según Wong era necesario este segundo disco, porque eran canciones que tenía en su corazón y él tenía la necesidad de mostrarlas a sus seguidores.

Viva la tristeza! Pedro Almodóvar

2009-07-31T13:58:00.001-07:00

Algunos pagaríamos para entrar a ver la discoteca de Pedro Almodóvar, pero por ahora nos conformamos con este disco, que según Pedro es música para llorar... Esta es una compilación que hizo Almodovar mientras escribía el guión de Hable con ella, y es como la banda sonora que lo acompañó mientras lo escribía. Este disco ya tiene unos años de editado, pero me pareció interesante agruparlo en esta nota, ya que los artistas editan sus canciones preferidas. Pedro dice que él escucha música todo el tiempo y hace sus propias bandas sonoras en cada momento de la vida misma, y ésta no es la excepción. En Viva la tristeza!, todas las canciones provocan una emoción profunda, son canciones analgésicas, donde abundan los susurros, los lamentos y la canción de amor desgarrado. Hay maravillas como Once I Loved por Shirley Horn, Nothing compares 2u por Jimmy Scott, I woke up por Nicolette, entre otras tristes canciones. Según Almodóvar todas tienen algo de nanas, canciones de cuna que nos llena el corazón de tristeza y delicia.

Back To Mine - Pet Shop Boys

2009-07-31T13:57:00.001-07:00

Los genios del Pop electrónico editaron un disco doble donde se dieron el gusto de tomar las bandejas y mezclar sus temas preferidos.
Back To Mine cd1 es una colección de canciones preferidas de Chris Lowe y es un homenaje al “Italo” disco, que mucho influyo a la bandas y según el mismo Chris, “son canciones de amor, religión, amistad y sexo.”
Aparecen así temas como Don´t cry tonight de Savage, Take a Chance de Mr Flagio, The show must go on de Queen, entre otras joyitas que tanto escuchamos en las radios en los 80´
Hay también algo de Gospel con Stand on the word por Celestial Choir y el disco cierra con I'd Rather Leave While I'm in Love por Dusty Springfield.
La colección de Neil Tennant en el cd2 es de todo un hombre ingles: una fina selección de Chill Out que según Neil es música para escuchar de noche, muy tarde antes de dormir.
Temas suaves, cargados de atmósferas electrónicas, con muchas orquestas y delicadas voces, como la de Etienne Daho. Es difícil elegir un track, ya que el disco funciona en su totalidad, y también hay un tema de precioso: Goin´n Back de Dusty Springfield. Back To Mine de Pet Shop Boys es un proyecto interesante, casi imprescindible para los que amamos a Neil y Chris.

Japón + Brasil = exquisito tropical por Alejandro Zarate

2009-07-22T13:23:00.000-07:00

“Casa” Morelenbaum2 / Sakamoto
Se reeditó el álbum grabado en Río de Janeiro en la casa del compositor Antonio Carlos “Tom” Jobim. Este es el primer disco en que Sakamoto interpreta composiciones que no le son propias. Con la voz de Paula Morenlenbaum, el cello de Jaques Morelenbaum y Ryuichi Sakamoto en el piano, se recrean las canciones de Jobim menos difundidas. El resultado de esta comunión es sublime, y esa atmósfera mágica fue capturada a través de las 16 canciones que dan forma al álbum, y ahora con la reedición se agregaron dos track nuevos. El piano tocado por Sakamoto le da un toque de exquisitez y sutileza y el cello de Jaques es un disfrute continuo. Paula y Daniel, hijos del compositor Tom Jobim, invitaron a grabar este álbum en la propia casa del legendario Jobim, con las ventanas abiertas hacia una estupenda vista de Río, con el canto de los pájaros y los grillos, que ayudaron a que “este ambiente sea una experiencia pura de emoción”, según Sakamoto. Entre las canciones más bellas encontramos O grande amor y Amor en paz; y entre las piezas instrumentales están Tema para Ana y Chanson pour Michelle.

Seleçao Sakamoto “O Brilho do tempo”

En 2001 comienza este proyecto con la bossa nova, a través de la grabación del disco Casa, junto a Jaques Morelenbaum y Paula Morelenbaum.
Ryuichi Sakamoto es un japonés que rompe esquemas cuando presiona las teclas, pinza las cuerdas y crea maravillas en sus composiciones. La emoción, la belleza en su forma más explícita y la exploración de los sentimientos, son el sello de sus composiciones.
Aquí Sakamoto se da un gusto personal y edita su colección de canciones de Bossa Nova preferidas y recopila verdaderas joyas de la bossa en las versiones originales. Canciones como Essa mulher en la voz de Elis Regina, Besame mucho en la voz de Joao Gilberto o Samba do aviao en la voz de Antonio Carlos Jobim, son una verdadera muestra de la bossa en su punto más justo. También encontramos bellezas como Estate de Joao Gilberto, Falando de amor de Antonio Carlos Jobim; entre otros.

Fernanda Takai - Onde Brilhem Os Olhos Seus
Esta tarea difícil la de seleccionar discos de artistas brasileños, porque todos son tan buenos... Pero hay una nueva artista que es Fernanda Takai y su disco debut, Onde Brilhem os olhos seus, es una verdadera maravilla. Se dice que Takai es descendiente de japoneses, por su fisonomía japonesa y su cuidado look, ya que siempre en su vestuario hay vestidos con aspecto de kimonos o de diseño inspirados en lo japonés. Lo cierto es que es una artista más que prometedora y en este álbum, que también tiene todo un diseño minimalista y con ideogramas nipones, hay canciones de grandes artistas como Caetano Veloso, Chico Buarque o Roberto Carlos, pero exquisitamente interpretados.
Fernanda Takai, de 37 años, nació en Serra do Navio. A los 16 años forma parte de la banda de Pato Fu, cantando, componiendo y tocando. Si algo define este disco es la gracia y buen gusto, la elegancia y discreción, junto con una mirada de Oriente Medio donde participar de la sensibilidad y la inteligencia de la música de Fernanda Takai.

Lisa Ono - Ipanema
Lisa Ono es una popular cantante japonesa de bossa nova. Nació en São Paulo (Brasil) en 1962, pero a los 10 años se trasladó con su familia a Tokio, donde su padre abrió un popular restaurante de comida brasileña, el Saci Perere.
A partir de entonces pasó la mitad de cada año en Japón y la otra mitad en Río de Janeiro.
Gracias a Paulo y Daniel Jobim, hijos de Antonio Carlos Jobim, realizó en este disco, Ipanema, una selección de canciones en forma de homenaje para celebrar los 80 años del compositor. En todo el álbum se vive un clima intimista, donde Lisa Ono interpreta sutilmente los clásicos de Jobim. Claro está que cuando uno encuentra otro disco más del famoso compositor, dice “otro más!”, pero acá es diferente, ya que es un precioso disco, que navega entre climas de una tranquilidad japonesa y el color de la Bossa Nova. Un suave disco para disfrutar en los atardeceres de la furiosa ciudad.

Música de películas por Alejandro Zarate

2009-07-22T13:18:00.000-07:00

Vier Minuten (cuatro minutos) Sountrack -Ariola Germany
La película comienza con un día de lluvia, una señora de pelo blanco, llevando su piano a una cárcel de mujeres. Cuatro minutos, es un homenaje a la música, es la historia de dos mujeres, una que sustituye a la pasión humana con la obsesión de la música, la otra trata de huir de todos sus recuerdos que tienen que ver con la música, pero sigue vinculándose con ella.
Una es lebiana y la otra no sabe, pero entre las dos, la música va ir tejiendo una historia, llena de gestos, lamentos, malos tratos, pero una especie de amor mezquino ira tiñendo la historia. Esta es una de esas bandas de sonido que sorprende y atormenta al mismo tiempo, tiene todo el disco el podes de queres escuchar una y otra vez, como es como una obra por si sola. Annette Fockts es quién compuso la mayoría de los temas, también quién ayudo al director a seleccionar música clásicas de Mozart, Beethoven y Schumann, que le dan luz a las abrumadoras imágenes. El trabajo de Annete Fockts es impecable, sobre todo en los temas en que mezcla sus composiciones con música argelina, la función entre lo clásico y lo africano, resulta de una embriagadora belleza.

Saturno Contro Sountrack - RCA Italiana
Otra banda sonora del una pelicula de Ferzan Ozpetek, donde el director turco esta vez regresa al melodrama y la historia esta centrada en una pareja gay y sus amigos. No sé si esta película de Ozpetek es buena, está bien dirigida, está bien escrita, se parece a las anteriores, anticipa las posteriores o vaya a saber qué. Yo, lo único que sé es que me emocioné con la película y mucho más cuando escucho una y otra vez su banda sonora. Esta vez el director convoco a componer el sountrack a Aldo De Scalzi, quién ya había trabajado con el la película Baño Turco en 1997, esta vez también hay una muerte, pero la música hace que no sea una despedida dramática, sino un adiós, ya que en esta película Ozpetek, se apoya mucho en la música y cada tema, sirve de pañuelo para secar las lagrimas, ya que es la película más triste del director. Pero la banda sonido goza de vida propia y la música tiene momentos brillantes, con mucho de Piazolla. Pero más allá de las composiciones de Aldo De Sclazi, encontramos una magnifica interpretación de Serge Gainsbourg por Carmen Consoli, una de las estrellas de la canción en estos momentos en Italia y dos joyitas, como las canciones Remedios interpretada por Gabriela Ferri y Zoo be zoo be zoo por Sofia Loren.

Caramel - Original Sountrack - Naive
Caramel es una película libanesa con coproducción francesa, dirigida por Nadine Labaki, esta situada en el Líbano, lugar difícil para las mujeres si lo hay...
Cinco mujeres en un salón de belleza, donde se van tejiendo historias de cada una, donde la directora bucea en la intimidad de cada personaje, dando una pintura de la sociedad libanesa en la actualidad. Rima es lava las cabezas en el salón y se sente muy atraída por las mujeres en especial por una clienta, en este salón los temas de conversación, serán de sexo, hombres, maternidad, infidelidad, temas casi prohibidos en la calle y mucho menos tratados por las mujeres.
La música esta compuesta por Khaled Mouzannar y es una verdadero festín para los oídos, música libanesa que se va fusionando con exquisitas piezas para piano. Tango El caramel, es el tema que abre el disco y cada track que siguen es uno más hermoso que otro. Pocas veces un sountrack es tan excepcional. Cada tema, es como música que nos invita a la confidencia, la misma que plantea la emocionante película de Nadile Labaki. El disco esta editado por el sello frances Naive ósea que no es difícil de conseguir.

The Edge Of Heven Original Sountrack- Essay Records

Una de las mejores películas del 2007, aun no estrena en Argentina, dirigida por Fatih Akin, es una coproducción alemana turca. Es una película sobre el perdón, sobre la diferencia. Es la historia de seis personas que viven en Alemania y Turquía, cada una se perderá en las calles de Estabur y llegaran a un punto en común. Con un excelente guió, fotografía y una banda sonora de esas que cuando termina la película, salís corriendo a conseguir...
El amor de dos mujeres, una turca y otra alemana, el amor entre un hijo y su padre, son los puntos más importantes del film. La película tiene toda su banda sonora con canciones de distintos interpretes de Estabuld, música de la calle y cinco temas compuestos por Shantel, que es un músico alemán, En 2007, publicó a su primer disco solista, Disko Partizani, el cual tuvo su mayor éxito en Austria, dónde llegó al puesto 17 de los ranking de venta. El se destaca por mezclar la electrónicas a la música popular de los Balcanes.
La música balcánica, los ritmos electrónicos y el pop turco, dan forma a esta banda de sonido sorprendente que navega por Estambul y el Mar Negro.

Kelli Connell

2009-07-22T13:13:00.001-07:00

Tapas de los discos que estoy escuchando todo el tiempo de ECM

2009-07-04T12:28:00.001-07:00

Melos - Vassilis Tsabropoulos

2009-07-04T12:23:00.000-07:00

El pianista Vassilis Tsabropoulos y la violoncelista Anja Lechner ponen su énfasis en Melos. Cánticos enfocados en gran parte en la escritura del filósofo rebelde Georges Ivanovitch Gurdjieff (1866-1949) -para quien la composición musical era más un medio que un fin, alentando a sus estudiantes a esforzarse y así llegar a un estado más alto de conciencia y tomar un mayor control de sus vidas- produciendo cinco temas de Tsabropoulos que reflexiona sobre su propia voz, interpretando como una transición sin cortes entre dos segmentos de Gurdjieff. Melos dibuja en tres composiciones relativamente breves de Gurdjieff que actúan como puntos de encuentro direccionales, pero colocando el mayor énfasis en la escritura de Tsabropoulos.

Tsabropoulos y Lechner son músicos entrenados clásicamente que no han demostrado ninguna escasez de perspicacia improvisacional en otros álbumes ECM incluyendo el disco de trío de 2004 del pianista con el bajista Arild Anderson y el baterista John Marshall, The Triangle, y el incomparable dúo de 2007 de la violoncelista con el bandoneonista Dino Saluzzi, Ojos Negros. Con la escritura de Gurdjieff basada en improvisaciones y contando con la estructura definida por su asistente, Thomas Alexandrovich de Hartmann, Chants proporcionó a Tsabropoulos y Lechner con una medular libertad interpretativa. La escritura de Tsabropoulos para Melos, mientras que no es menos formalmente construida, proporciona una libertad aún mayor, aunque dentro de un contexto musical que permanece más cercano a la esfera clásica, su énfasis armónico, la mayor parte del material presta una mirada hacia el este.

La suma del percusionista U.T. Gandhi, un miembro de la familia ampliada del bandoneonista Saluzzi en Juan Condori (ECM, 2006), da a Melos su propia personalidad, aunque su ejecución aquí es bastante sutil, con un trabajo de platillo delicado que proporciona el movimiento apacible en el tema con sabor oriental de Gurdjieff "Tibetan Dance" Un poder mayor conduce a Tsabropoulos en "Gift of Dreams". donde la interacción intuitiva de Gandhi durante el dramático solo del pianista se acerca a la clase de variada intensidad vista en otro artista de ECM cuyo acercamiento es igualmente cercano al mundo clásico, Ketil Bjørnstad.

Pero mientras Melos posee a una cierta majestuosidad ("Song of Gratitude") y, de vez en cuando, una energía ferviente ("Sayyid Dance" de Gurdjieff y la aguda y breve "Reflections" de Tsabropoulos), también conserva un poco de la belleza casi ambiental de Chants (la reservada "Simplicity") y la espiritualidad (la continuada oscuridad de "Evocation", destaca la conmovedora llamada-y-respuesta de Lechner con Tsabropoulos).

Además del acercamiento improvisacional de Lechner y Tsabropoulos desde una posición simpática de fondos musicales similares, su crecimiento como dúo es palpable, no solamente en su sentido creciente de libertad, sostenida por Gandhi, sino en los momentos reflexivos, pensativos donde ellos hablan con una sola voz. Ambos son virtuosos músicos, cuyas fuertes personalidades se evidencian en todas las partes del programa de Melos. Pero es en el conmovedor, "In Memory" donde su comunicación se hace tan profunda, tan consumada, que Melos se convierte en una experiencia realmente transcendente. La música por sí misma se hace casi secundaria a una capturada intimidad compartida tan maravillosamente para hacer cada sucesiva audición una experiencia nueva y más provechosa.

Fuente: John Kelman para allaboutjazz.com - Traducción: La Bestia Políglota

Tethered Moon - Experiencing Tosca

2009-07-04T12:14:00.000-07:00

Masabumi Kikuchi, piano
Gary Peacock, bajo
Paul Motian, batería

Por configuración instrumental, orientación expresiva y talante investigador, Tethered Moon bien podría compararse con el ilustrísimo trío de Keith Jarrett, sobre todo en su faceta más libre. De hecho, ambas formaciones mantienen como nexo de unión al contrabajista Gary Peacock, verdadero prodigio de adaptabilidad.
La reunión del pianista japonés Masabumi Kikuchi con Peacock y el batería Paul Motian, otro icono del jazz de la segunda mitad del siglo XX, data de principios de los años 90. Al principio, el grupo funcionó de manera intermitente, aunque su inmediata empatía emocional les permitió grabar dos discos para el mercado japonés. Lógicamente, el reconocimiento internacional tuvo que esperar hasta su primera grabación para el anterior sello de Stefan Winter, JMT, compendio de fantasía de alto nivel intelectual dedicada a la música de Kurt Weill.
Ya bajo el emblema Winter & Winter, prosiguieron su trayectoria con sendos discos "monográficos" consagrados a Jimi Hendrix y Edith Piaf. Con estos antecedentes, no era nada fácil adivinar cuál iba a ser su próximo objetivo; el trío no ha decepcionado y ha dejado volar de nuevo su imaginación con un disco centrado en ciertos pasajes de Tosca.
Como siempre que se acomete una iniciativa de estas características, la polémica está servida. A los amantes de la ópera en su estado original, Experiencing Tosca, les parecerá poco menos que una broma de mal gusto, pero a aquellos aficionados que prefieren despojarse de togas dogmáticas para disfrutar sin prejuicios de la investigación, fecunda y rigurosa, tienen en este disco un espléndido objetivo de atractivo velado que necesita repetidas escuchas para descubrir toda su belleza.
Kikuchi relata que el promotor involuntario de esta idea fue Miles Davis, quien en su momento planeó grabar junto a Gil Evans algunos fragmentos de la obra. El descubrimiento de Kikuchi le hizo familiarizarse con la ópera de Puccini hasta el punto de enamorarse de su romántico verismo. A pesar de todo, Kikuchi insiste en que Experiencing Tosca no es un disco conceptual. El argumento casi esquemático de la obra y sus descubrimientos puramente musicales, permiten al trío desarrollarla con libertad más que justificada.
El fin prioritario de Tethered Moon es profundizar en la compenetración y acompasar el pensamiento colectivo. Por eso, apoyados en sus brillantes dotes técnicas y expresivas, a Kikuchi, Peacock y Motian les basta algún pequeño motivo de cualquiera de los pasajes de los tres actos de Tosca para improvisar en busca de nuevos posibilidades que, al mismo tiempo, rinden homenaje a la modernidad de su compositor.

Federico González

Doce canciones de Charles Ives

2009-07-04T12:12:00.000-07:00

Lo primero, vayamos al grano: ¿se pueden recomendar las canciones de Ives que nos ofrece Theo Bleckmann en Winter & Winter después de haber hecho lo propio desde estas mismas páginas con las que cantaba Jill Feldmann para Olive Music? Y a la respuesta: sí. ¿Se pueden comparar? Eso ya es otra cosa, pues el planteamiento es muy diferente aunque coincida en algo que señalábamos entonces como un dato de la selección de las canciones hechas por Feldman –aquí coinciden Songs my Mother Taught Me, Like a Sick Eagle, At the River y Weil auf Mir- y que se observa en los arreglos del propio Bleckmman y del grupo que le acompaña –Kneebody-: el sabor americano, la sensación de que estamos en un clima determinado creado por un músico que ayudó a hacerlo de recibo y que sigue suscitando ante nuestros oídos un paisaje también visual. Feldman hablaba de su selección para justificarlo mientras en Bleckmann es el ambiente sonoro y determinados detalles, guiños, centelleos, un tambor, una trompeta –At the River es paradigma de todo el procedimiento. El sintetizador manejado por el propio Bleckmann crea un oleaje a veces, un bajo continuo otras. Y su voz se mueve con la delicadeza y la soltura de un buen crooner que supiera muy bien el terreno que pisa. Convengamos en que este de las canciones puede ser un Ives más inofensivo, capaz de apelar a Keats o a Lenau en sus letras pero también a sí mismo o la tradición de los espirituales. Bleckmann y su gente trazan una línea delgada y aprehensible que une cada canción en un conjunto con algo de hipnotizador, que ya no es sólo Ives, por descontado, que les pone a ellos en el punto de mira de lo que para unos será glosa y para otros una traición llena de buenas intenciones. Lo que está claro es que el gran compositor americano se deja hacer y que se le trata con absoluto respeto. Especialmente interesantes son las apelaciones al Ives orquestal, al más renovador, al más personal, como sucede al final de Like a Sick Eagle o, sobre todo, en Waltz, todo un homenaje definitivo, un cierre soberano para un disco muy de la casa –de Winter & Winter, quiero decir- y, por eso, mismo, lleno de cosas dentro.

Pablo Batallán

Ernst Reijseger - Tell Me Everything

2009-07-04T12:02:00.000-07:00

... al inicio (del cedé, de la música, de la tarde...) no se oye nada sino la música del viento haciendo temblar las hojas, su estremecimiento sobre los campos de trigo de la Toscana y más lejos, los de la Maremma... [y el viento, cargado del olor tan dulce de su cabello, el calor de su cuerpo mezclado secretamente con el olor de la tierra y de las hojas enmohecidas, en la humedad pesada de las lagunas, mientras la vegetación invade los jardines de Volpaia...] y en el viento como una cosa viviente, como una respiración, se deslizan unos sonidos venidos de no sé qué islas con ese ritmo de fandanguillo tocado por un violonchel(ill)o que imita una guitarrilla... Y empieza la aventura, la exploración del violonchelo (tell me everything, todo lo que quise saber sobre el violonchelo etc.) con diferentes utiles o técnicas: los glissandos o glissandi (diría o decía Jorge González Giner), los grandes arpegios a lo Back to Bach, los pizzicati, el falsetto, la masa sonora compacta...

... y en esas fricciones o fruiciones armónicas con acentos extraños, como recuerdos agridulces de un país o de un tiempo suspendido ¿es la música lo que renace de eco en eco, borrando las edades, pasando de voz en voz, de soplo en soplo...?

... y esos compositores, Reisjeger, Yasuda... ¿cómo definirlos...? unos músicos que no miran fijamente en frente, que no navegan hacia esas aguas del porvenir, átonas y monocromas, sino en las aguas del pasado, agitadas y coloreadas por el tumulto de las horas idas... una música que no parece saber lo que busca, y ese « no saber... » más o menos fingido, ese ligero desorden, esa posición algo oblicua, forman lo esencial de su identidad o de su originalidad... es una suerte de juego con lo que se escapa, un juego —se diría— sin proyecto, con algo siempre inasequible, siempre por venir, una espera nunca colmada... acaso la espera de una cierta voluptuosidad...

Pierre Élie Mamou

Klaus Nomi

2009-04-02T11:47:00.000-07:00

Klaus Sperber (Immenstadt im Allgäu, 24 de enero, 1944 – Nueva York, 6 de agosto, 1983) mejor conocido como Klaus Nomi, era un contratenor de origen alemán, que ha sido vastamente reconocido por sus únicas e inusuales interpretaciones vocales y por fusionar la ópera con el rock y el pop. Nomi ha sido recordado por sus extravagantes actuaciones teatrales, su maquillaje recargado, su extraño vestuario futurista, y su peinado único y estilizado que exageraba las entradas de su cabello. Especialmente buscaba dar la imagen de que era un extraterrestre que había caído de una galaxia más glamorosa para cantar a través de su condición de falsetto.Sus composiciones musicales eran singulares, y abarcaban desde interpretaciones en sintetizador de la ópera clásica y hasta varias versiones de canciones de pop como “El Twist” de Chubby Checker y “Lightning Strikes” de Lou Christie.

Carrera artística
En 1972, Nomi se unió a la compañía de teatro de Charles Ludlam, y apareció en una producción satírica de tipo afeminado basada en la ópera titulada “El oro del Rin" (en alemán: "Das Rheingold") perteneciente al compositor Richard Wagner. En esta presentación, Nomi desarrolló por primera vez la imagen escénica de extraterrestre.
Sin embargo, Nomi llamó la atención del escenario artístico de Nueva York en 1978, con su participación en la obra “New Wave Vodevil”, un evento con duración de cuatro noches, organizado por el artista David McDermott y donde se realizaron aproximadamente treinta actos interpretados por distintos personajes del ambiente artístico.Vestido con un ajustado traje espacial y con una capa de plástico transparente, Klaus cantó el aria “Mon coeur s’ouvre a ta voix” ("Mi corazón se abre a tu voz") de la ópera Samson et Dalila de 1877 compuesta por Camille Saint-Saëns. La presentación culminó con un una caótica iluminación estroboscópica, bombas de humo, y estridentes sonidos de efectos electrónicos, mientras Nomi se alejaba del escenario. Joey Arias recuerda, "todavía se me eriza la piel cuando lo pienso… Era como que si él fuera de un planeta diferente y sus padres lo estaban llamando para que vaya a su casa. Cuando el humo se aclaró, el desapareció."[9] La reacción fue irresistiblemente positiva y recibió numerosas invitaciones para que se presentase en clubes alrededor de toda la ciudad de Nueva York.
Nomi fue ganando confianza en sus presentaciones y juntó a un grupo de prometedores artistas para que colaborasen como bailarines y coristas en sus variadas funciones, e incluían personalidades como Joey Arias, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, John McLaughlin (quien también usaba el pseudónimo “Johnny Sex”), Madonna y Kenny Sharf.
David Bowie, había escuchado sobre las presentaciones en Nueva York de Nomi, y después de tener la oportunidad de conocerlo a él con Joey Arias durante una noche en el club nocturno “Mudd Club”, los contrató a ambos como coristas para su aparición en el programa televisivo Saturday Night Live, el cual se estrenó el 15 de diciembre de 1979, y donde interpretaron la canción “The Man Who Sold the World”. Sin embargo, Bowie nunca los volvió a tomar en cuenta a Nomi y a Arias. No obstante, esta presentación con Bowie, le abrió las puertas, y es así que recibió el apoyo de la discográfica RCA, y produjo su primer álbum titulado Klaus Nomi, en 1981. Éste disco incluye sus primeros éxitos: “Total eclipse”, “The Cold Song” y “Mon coeur s’ouvre a ta voix”, entre otras. Nomi alcanzó gran popularidad, y realizó una gira musical por diversos países europeos y norteamérica. Además realizó diversos vídeos, como el documental, “Urgh! A Music War” (1981), que trata sobre el rock, y donde se exhibe la presentación en vivo de Nomi, “Total Eclipse”.De acuerdo con Kristian Hoffman, Nomi es más recordado por el público por su interpretación de la canción titulada “The Cold Song”" o “El aria fría”, de Henry Purcell, perteneciente a la obra “El rey Arturo”, tercer acto.
Nomi, en su canción “Total eclipse” hace diversas referencias a la obra Sansón de Handel. Principalmente en el oratorio de Handel, Sansón es prisionero de los filisteos, y Nomi en su canción sustituye su propio destino con el de Sansón. Más claro, para Nomi los filisteos equivalen a la sociedad heterosexual que rechaza a los homosexuales.
Nomi también realizó una colaboración con el productor Man Parrish, apareciendo como corista en la pista “Six Simple Synthesizers” del álbum llamado Hip Gop Bee Bop.En 1982 publicó su segundo disco titulado Simple Man, que contiene una mezcla de canciones pop y de ópera. Entre los temas más importantes están canciones compuestas por John Dowland, extractos de la ópera Dido y Eneas (Purcell), “Falling in Love Again” de la película El ángel azul que es un clásico cantado por Marlene Dietrich, y “Ding Dong the Witch is Dead" del filme El mago de Oz, entre otras. Desafortunadamente, tuvo que alejarse abruptamente de los escenarios en 1983, debido a que su salud empezó a decaer.

Fallecimiento
Tuvo una corta trayectoria musical, falleciendo el 6 de agosto de 1983 a consecuencia del sida, convirtiéndose en uno de los primeros famosos en morir a causa de la enfermedad, en una época en donde se creía que era la plaga de la comunidad gay y se conocía muy poca información sobre esta.
Nomi murió a los 39 años, abandonado durante sus últimos días de vida por la mayoría de sus amistades cercanas y asociados.Sus cenizas fueron esparcidas en Nueva York, de acuerdo a su expreso deseo

Todos amamos a Glenn Gould

2009-03-08T08:10:00.000-07:00

Blonde dans la casba - Biyouna

2009-03-08T07:59:00.000-07:00

En ‘Blonde dans la casbah’, segunda propuesta musical de Biyouna después de ‘Red Zone’, se combina lo árabe, el cabaret y la canción francesa.
“Es un disco mestizo que, a través de su voz, enseña la realidad de Argelia, su alma más profunda, y en el que también participan los grandes cantantes franceses Didier Wampas y Christophe”.
Se trata de un repertorio franco-argelino que conecta con la influencia de la cultura gala en su identidad como ciudadana argelina, y que Biyouna define como “una gran historia de amor y de todo lo contrario”.
La cantante define su nuevo trabajo como “muy profesional”, una experiencia de la que se siente orgullosa, que le ha permitido “conocer otras culturas, otros colores y otros ritmos”.
Sus ritmos mezclan la música chaâbi, la canción francesa, el country y el ska con “la riqueza cultural argelina”. Y todo para transmitir “el mensaje universal de la paz y del amor a través de algo muy local: el sufrimiento del pueblo argelino”.
Este mensaje encuentra un contundente porqué en boca de Biyouna: “Porque soy ciudadana del mundo, porque amo la paz y repudio la guerra, la violencia y la pobreza”, declara.
Su compromiso con la paz y su “dolor por los que no tienen voz en Argelia o en cualquier pueblo” no le permite distinguir entre cantar y actuar. “Cuando canto, me siento una actriz”, dice esta artista. Según ella, cantar y actuar son dos actividades unidas: “Es inevitable. Para expresar, antes hay que sentir”.

Under the Rainbow - Hawai'i

2009-03-08T07:40:00.000-07:00

No se sabe todavía si las gigantescas piraguas alcanzando los 40 metros de longitud, con sus dos cascos unidos por una plataforma donde viajaban hombres y animales, vinieron del este o del oeste. Los animales como el pollo o el cerdo indican un origen asiático, mientras la patata apunta hacia América. Entre todas las islas, archipiélagos y lagoons, Islas Salomón, Nueva Caledonia, Nuevas Hebrides, Papua Nueva-Guinea... las Hawai'i (bien escrito en el cd) son las de más amables músicas y se decía de las gentes más amables también, y no por ello se salvaron más que los fieros guerreros; hace veinte años, una delegación científica tras las pruebas nucleares francesas aseguraba que la radioactividad podía seguir contaminando las aguas del Pacífico Sur durante quinientos o mil años. Tampoco se sabe si hubo en Hawai'i esa música diabólica (no queda ni rastro) de los conjuntos de flautas (conjunto de hasta 20 instrumentos, de hasta dos metros de longitud, con sus músicas compuestas y firmadas por autores individuales para las grandes ceremonias, nacimiento, muerte, construcción de una piragua o de una casa) silbatos y trompas, antaño arrebatadas por los antepasados a los mumu, los dioses salvajes inventores de la música, y que los misioneros no consiguieron quemar del todo en las demás islas del Pacífico.

Tras un paisaje sonoro del Océano Pacífico algo débil (hablo del paisaje sonoro: es siempre, con perdón, el punto flaco de W & W) el cd empieza magníficamente, no por la música dulzona de un pueblo reducido a una vil parodia de feliz salvaje con el c... al aire, sino por el recuerdo milagrosamente conservado, de la tradición melanesia del grito, de la llamada de alegría, de la voz confundiéndose con el sonido de la caricia de dos hojas, la ola rompiendo en un arrecife, el gemido de unos amantes, o la vociferación que hace estremecerse las nubes mientras las palmas y los palos, sordos y roncos, antiguos mástiles y lanzas, baten la tierra, se hunden y salen agarrando su hígado y su corazón, músicas impregnadas por un intenso sentimiento de terror y veneración; vago recuerdo de una institución grande, singular, temible, que el tiempo, quizá, había dotado de un carácter sagrado, un tiempo en el que cada día se levantaba el sol sobre dos cosas magníficas: la marea y la guerra. Un eco lejano del canto de ira de las Nuevas Hebrides, que quizá oyó el generoso Lapérouse al morir bajo las lanzas de Vanikoro en 1788.

Junto con esas músicas, las guerreras, las machas, que acompasan el cd no faltan se deslizan los ríos, estallan las cascadas transparentes en la mañana, y produce aquel soñador sonido de burbujas, guitarras slack key, ukulele, voces en falseto, volando en los ágiles labios: sillones coloniales en la veranda, hidroaviones amerizando en el arco iris, cantos de bienvenida, minifaldas de hojas y topless... el tiempo del placer está por llegar. "¡Ja! ¿Nuestro porvenir?" dijo Pualani a un joven músico de paso, mientras ambos miraban las ballenas a lo lejos "un tiempo negativo, un por-venir que no llegará"

Pierre Élie Mamou - diverti
Halau O Keaunui: voz, danza, percusión

George Kuo: guitarra
William T. Greig: contrabajo

The 'Ohana
Noelani Mahoe: guitarra, voz, 'ukulele
Lawrence Pau: falsetto, 'ukulele
George Kuo: guitarra, voz
Al Machida: 'ukulele, voz
Harold Haku'ole: steel guitar
William T. Greig: contrabajo, voz

Gordon Mark: 'ukulele

Hawai'i Youth Opera Chorus - Angeli Ensemble
Stacey Mailelauli'i Naki: dirección
Phil M. Hidalgo: piano

KoAloha
Alvin Okami: 'ukulele, voz
Alan Okami: bajo eléctrico, voz
Paul Okami: 'ukulele

Ho'oheno
Nickie Hines: guitarra, voz
Scotty Ho'oheno: steel guitar, voz
Kaipo Asing: contrabajo, voz

Gianluigi Trovesi all'opera - Profumo Di Violetta (ECM)

2009-03-08T07:12:00.000-07:00

Gianluigi Trovesi All'Opera Profumo Di Violetta
Gianluigi Trovesi piccolo and alto clarinets, alto saxophone
Marco Remondini violoncello, electronics
Stefano Bertoli drums, percussion
Filarmonica Mousiké Orchestra winds and percussion
Savino Acquaviva conductor

El gran arqueólogo italiano del jazz, Gianluigi Trovesi regresa con otro disco magistral "Profumo di Violetta" donde complace su amor por el drama emocional y la belleza musical a la ópera italiana. (El título alude a la vez protagonista de la famosa ópera de Verdi "La Traviata" ) Acompañado por una gran orquesta de vientos con gran percusión , Trovesi nos lleva en un viaje a través del humor y la historia del género. Se inicia con la Monteverdi "Orfeo", incluye muchos más destacados como "La traviata" antes de visitar brevemente Mascagni y Puccini. Popular y lo sublime, la ironía y patetismo irrestricta cumplir con un espíritu de improvisación que transmite la pura alegría de hacer música.

Refuge Trio = Bleckmann, Versace y Hollenbeck - Winter&Winter

2009-02-26T08:59:00.000-08:00

Theo Bleckmann, voz, procesado electrónico en directo
Gary Versace, piano, acordeón y teclados
John Hollenbeck, batería, percusión, crotales, vibráfono y glockenspiel

‘Irreal’ es la primera palabra que asoma cuando uno se enfrenta a Theo Bleckmann. Y no es una crítica, sino la descripción de una voz desmaterializada, de angelicales registros casi blancos y sinuosas líneas, capaz de saltar grandes intervalos sin aparente esfuerzo, de forma casi instrumental. Un algo de “no de este mundo” que también posee su biografía, como salida de la imaginación de Tim Burton: huérfano abandonado, campeón de patinaje, descubierto por Sheila Jordan en una de sus habituales clinics en Austria, aficionado al cabaret, letrista y guionista, autor de una obra con máquinas de coser que encuadernan la partitura de la misma… Todo podría parecer anecdótico si no reflejase de forma tan adecuada el arte técnicamente exigente y la imaginación lunática, entre un dulce lirismo y un suave toque grotesco, de Bleckman.

Habrá quien lo descubriese o se desconcertarse ya con su aparición como instrumento solista junto a Dave Douglas en el Force Green de Mark Dresser, a dúo con Sheila Jordan, en las partituras de gran banda de John Hollenbeck o en los interiorizados discos de Ben Monder. Pero esa es sólo su faceta más cercana a un jazz, digámoslo, idiosincrásico; también es miembro del ensemble vocal de Meredith Monk, y dentro del catálogo de Winter & Winter grabó Las Vegas Rhapsody junto a Fumio Yasuda y canciones de cabaret berlinés. Todo se mezcla en algo sin eje fijo, muy del marchamo de Winter, tan exquisitamente ajeno a cualquier género, participante de varias órbitas simultáneamente, personal y no del todo categorizable. Un agenerismo que el trío coliderado por Bleckmann expresa mediante una música que busca la belleza de lo pequeño, lo leve, lo frágil y lo onírico.

Más que temas, el trío crea auras sonoras por medio de la ondulante voz de Bleckman y láminas y cuerdas vibrando suavemente; un atmosferismo, a la vez escrito y producto de la improvisación, que persigue una evanescencia expresada en el estribillo de To What Shall I Compare This Life. Esa vocación de retiro, recogimiento y protección se expresa en el nombre del grupo, Refuge Trio, tomado de Refuge of the Roads de Joni Mitchell, corte con el que, en solitario, da Bleckmann inicio al álbum. El material en él incluido es profundamente heterogéneo, con las versiones de Misterioso de Thelonious Monk, y de Peace de Ornette Coleman, una atípica lectura en la cual los instrumentos comienzan en puntos distintos hasta coincidir en la exposición final del tema, así como piezas que se acercan a la canción de cuna, a lo oriental, a lo hímnico, a la tintineante cajita de música. En esta colección de cortes en solitario, a dúo y trío, la coordinación jazzística del grupo es impecable, no en vano la colaboración de Bleckmann- Hollenbeck data de largo tiempo, y el multinstrumentismo de Versace, cuyo background es el más estrictamente jazzístico, está empleado con gran tacto sin recurrir a esquemas y planteamientos habituales en esta música. Fina filigrana en este tejido de frágil y livianísimo brocado.

Ángel Gómez Aparicio

Noël Akchoté - Toi-Même

2009-02-26T08:56:00.000-08:00

En El Conde de Montecristo, el protagonista explica cómo se da un beso de cocinero: se llena la boca de una mús de paté de jabalí con armagnac y besa largamente a su pareja... Dumas, o Montecristo, tiene razón: ¿para qué hacer las cosas a mitad? ¡Ahondemos en las sensaciones! Y así, de vez en cuando, el conde de Winter & Winter se encanalla y escoge como compañero de correría a Noël Achkoté (En el burdel, por ejemplo). El guitarrista Achkoté nos invita (Tú mismo, dice el título del álbum) Chez Fernand, uno de esos restaurantes de las afueras de París donde no llegó la nouvelle cuisine, restaurantes frecuentados por obreros de día y criaturas de los bajos fondos de noche, que son los que participan en la fiesta grabada en este CD: un poco de paisaje sonoro urbano, un toque de performance (con poetas incluidos: John Giorno, saliendo de un largo exilio o silencio), momentos chispeantes (Otto Lechner, acordeón), miradas nostálgicas o ajadas sobre el blues (Laetitia Sheriff), homenajes a los clásicos de la chanson (Red canta a Leo Ferré), unos números que se inscriben en la tradición del cabaret francés (reflexiones filosóficas sobre la imposibilidad de empalmar en el momento adecuado; Jean Louis Costes), y como guinda, una suerte de rap en el que Kevin Blechdom y Jean Louis Costes comentan sus técnicas masturbatorias y la dimensión de sus sexos...

... el oyente se encuentra un poco en la situación de ese personaje de Pavese que se pregunta cómo puede pasar al lado de tantas gentes sin interesarse por su pena. Luego todo se vuelve confuso y lento, no me entero de lo que dicen... como si los intérpretes, en medio de sus risas cómplices, a pesar de ellas, estuviesen utilizando sus últimas fuerzas para intentar aceptar su muerte, sabiendo que una muerte tan cruda no puede aceptarse... Acaso por ello, esos bruscos esfuerzos de dignidad, ese cansancio infinitamente continuado, desordenado para seguir viviendo... viviendo en ruinas, en campos de despojos que se parecen a una megalópolis tras el fin de la civilización, e incluso tras el fin de la barbarie

Pierre Élie Mamou

Noël Akchoté, guitarras eléctricas y dirección
Han Bennink, batería
Kevin Blechdom, coros, piano, banjo, arpa de boca
Jean-Louis Costes, coros, piano
John Giorno, voz, poesía
Brad Jones, contrabajo
Otto Lechner, acordéon
Fritz Ostermayer, coros, portátil, electrónica
Red, coros y guitarra eléctrica
Sebastian Reier, plato giratorio
Andrew Sharpley, coros, teclados, sampler
Laetitia Shériff, coros, guitarra barítono, bajo eléctrico

Fortaleza - Brasil - 2008

2008-12-30T10:56:00.000-08:00

Toronto - noviembre 2008

2008-12-30T10:12:00.000-08:00

Halloweek in Toronto 2008

2008-11-03T11:02:00.000-08:00

Au Bordel - Souvenirs de Paris - Winter &Winter

2008-09-17T14:16:00.002-07:00

En el burdel. Recuerdos de París. Voces e instrumentistas bajo la dirección de Noël Akchoté. W&W 910026-2
Vale Tango. Músicas de Noche. Hugo Silva (voz), A. Linetzky (piano), L. Sciarretta (bandoneón), A. Schaikis (violín), P. Cotella (bajo). W&W 910083-2
Dentro y fuera, sin juego de palabras que se refiere al in&out por lo que son visitados establecimientos evocados en el título del primer cd, sino la ciudad escuchada desde dentro y fuera; adentro pues la ciudad es un burdel que proporciona souvenirs de París a sus turistas, y no cualquier souvenir, sino el recuerdo de la época más siniestra, quizá no para sus turistas que desfilaban al paso de la oca acompañados por la voz rubia de una Schwarzkopf cantándole a uno el trágala (ya que se trata de recuerdos; en los suyos la cantante nazi afirma que no se arrepienta de nada: “non rien de rien”) o por la batuta de un von Karajan (rien de rien tampoco); época risueña también para los indígenas que acogieron a esos turistas (algunos de esos indígenas fueron oficialmente guías con celo -primer acepción- pues unos 30.000 parisinos fuero empleados como policías por las tropas nazis); a divertirse pues y a recordar el tiempo del racket y de los tráficos, del asesinato y de la ignominia, de las milicias de policías y bandidos unidos, las bandas de Bonny-Lafont, de Déat, de Pierrot el Loco, gente guapa con trajes impecables y metralleta al hombro... El cd recrea las músicas que ese París, convertido en una de las capitales del dolor, escuchaba entre dos deportaciones, en soirées de acercamiento franco-alemán canciones inmortalizadas por Maurice Chevalier, Charles Trenet, André Claveau y un largo y vergonzoso etc. Pocos cds (de hecho no conozco ninguno) han conseguido recrear ese ambiente inmundo, inmundo digo porque pone la máscara de la belleza a ese tráfico de esclavas (y en este disco, esclavos) llamado prostitución; si quiere dejar por un momento la ética, el oyente podrá gozar, o acaso sólo excitarse, con el ambiente sonoro del meadero del burdel (con meada incluida).
En toda esa miseria, sonrisas: algunos compositores que consiguieron huir de los nazis publicaron, con su nombre o bajo seudónimo, canciones que, por ignorancia de las autoridades, no fueron prohibidas, entre ellas, el tema del Ángel azul, escrito por los judíos Hollander y Lerner, y que los autores del cd presentan bajo su título inglés, con mucho humor.
De música de burdel también trata el disco de tango, pues así fue, dicen, su origen; pero, tratándose de Argentina, la cultura impregna hasta los bajos fondos y su música, y cómo lo dice la canción “tiempo en el que fuimos intensos, fuimos tensos y abusamos de los lechos y de los pechos bien educados...” Al juego de las ciudades, este disco no evocaría, como el tango clásico de digamos Goyeneche, la Buenos Aires del recuerdo borgesiano grandioso y solitario, en la sombra de la inundación, ni la metrópolis contemporánea de un Piazzola, sino, desde Villa Crespo a Plaza Once, la ciudad que Macedonio Fernández finge confundir con “una estación en la que uno espera en vano un tren”, la ciudad de las ilusiones de César Tiempo (es decir, Israel Zeitlin) “argentino hasta la muerte, pues nací en Dniepopetovsk”, ciudad cosmopolita que se encarga de evocar el bandoneón mientras el piano en dúo con la voz macha de Hugo Silva cumplen con los requisitos clásicos para recrear a aquel porteño arquetípico, aquel “Hombre que está solo y espera” (Scalabrini) algo becketiano avant la lettre, al evocar también a Erdosaín, el anti-héroe de Roberto Arlt, cuya vida y “fiaca” sangran por las calles turbias... Y es el violín (o el violinista) que da su máxima originalidad al cd, al imponer una presencia femenina en ese mundo en el que el, tango es asunto exclusivo de compadritos: una presencia femenina, el fantasma de tantas esclavas de allende los mares, una mujer, Reina de las ficciones cuyos sonidos aterciopelados cubren el murmullo de las olas y suspiros del esfuerzo de los remeros, mas ninguna ola es tan audaz como para humedecer la crin del arco o enmohecer el metal de la cuerda. (diverdi.com)

”Salon music at Schumann’s Bar”

2008-09-17T14:16:00.001-07:00

El Schumann’s Bar supone un escenario tan mítico como el Gran Caffé Quadri de Venecia, un local donde la música se derrama por sus ventanas a todas horas y pequeños grupos de cámara han hecho bailar a la nostalgia con la noche y el sano cachondeo inteligente sin miedo a la resaca del día después. Klaus y Michaela Neftel han compilado dos decenas de piececillas con arreglos propios –para violín solista, principalmente– y ajenos –del acordeonista Wieslaw Pipczynski, otro de los muchos integrantes que componen el seno de Prima Carezza, y de autores como Karl Satow o Helmut Ritter– con los que pretenden dar un repaso a una muestra de esa música oscura de aire popular que sonó en tierras germánicas a principios del siglo XX antes de ser perseguida y/o censurada por el partido nazi. Valses, tangos y polkas se entremezclan con temas tradicionales zíngaros y hebraicos (Czardas, Dinicu, Boulanger), pero también con extractos de operetas y clásicos que se han vuelto célebres por su uso cinemático (Ojos negros, Brahms, Massenet). Músicas felices de las que animarían un velatorio, pero también signos de una época tan rica culturalmente como diversa en gentes, y cuyo ejemplo de armonía ha quedado hoy día proscrito al olvido. Tres años llevaba su productor y principal valedor, Stefan Winter, acariciando este proyecto, ilusionado por los recuerdos de su madre en Munich. Ojalá el regalo no la deprima por esas golondrinas que ya jamás volverán sus nidos a colgar. // Iván Sánchez Moreno

Patchwork, La musique de Christian Lacroíx - Naive

2008-09-17T14:16:00.000-07:00

Christian Lacroíx, neobarroco y colorido. Este francés le aportó un toque de teatralidad a la moda. Su bagaje cultural (estudió historia del arte) y su pasión por la cultura hispana (con gitanos, flamencos y toreros a la cabeza) jugaron un rol decisivo en sus diseños. Para Patchwork, el disco que editó con la música de sus desfiles, convocó ni más ni menos que a Beatrice Ardisson, una Dj francesa, adorada por la gente gay, especialmente en París.
Beatrice es una verdadera alquimista para seleccionar música y crear atmósferas que transmitan una idea. Ya lleva editado varios discos donde compila los más extraños covers. Ella vive a las afueras de Paris, en una granja con muchos animales y ahí tiene su propio laboratorio de música con más de 15.000 discos, todos perfectamente clasificados.
En Patchwork, La musique de Christian Lacroix, ella nos presenta una perfecta cajita de música, desde la portada, la edición y la colección de canciones, lo que hace de este álbum un objeto precioso, de esos que son magníficos para regalar, aunque también nos cuesta regalar y desprendernos.
En los dos discos Beatrice Ardisson, selecciona música de los desfiles de Christian Lacroix, donde pueden convivir canciones de Fizzicato Five, Pink Martini, Nina Hagen, Marianne Faithfull, Antonio Gades, Michael Nyman, Ravi Shankar. La genial Beatrice Ardisson logra una maravillosa mezcla de sonidos que definen la mixtura de la moda de Lacroix. Los treinta y pico de tracks donde hay desde Rock, Jazz, Zarzuela hasta Tango y Boleros, crean un universo en Patchwork, más que de un álbum de música, de un precioso tesoro.

Distances - Norma Winstone

2008-09-16T15:44:00.000-07:00

La cantante Norma Winstone nació en Londres y comenzó su carrera cantando standards; pero como siempre hay un pero, a finales de los años '60 se presentó en el Ronnie Scott nada menos que con el gran Roland Kirk. Y se ve que algún borne se soltó, pues a partir de ahí le dijo "gudbái" a lo convencional y comenzó a involucrarse en el avant-garde y a experimentar, pero de verdad.
Así las cosas, fue sumando experiencias con gente como John Taylor, Kenny Wheeler (con ambos conformó la agrupación Azimuth), Michael Gibbs, Mike Westbrook, Steve Swallow y unos cuantos más.
También le ha puesto letra a composiciones de gente que compone cositas sencillas como Ralph Towner, Egberto Gismonti o Ivan lins.
La cuestión (a eso íbamos) es que la señora Norma Winstone tiene nuevo álbum; su título es Distances y en él, en un clima intimista en el que la acompañan Glauco Venier en piano y Klaus Gesing en saxo soprano y clarinete bajo, interpreta composiciones propias y singulares relecturas de Every Time We Say Goodbye (Cole Porter) y Here Comes the Flood (de un tal Peter Gabriel).
Y que lo editó el sello alemán ECM. ( El intruso)

Being There - Tord Gustavsen Trio -ECM

2008-09-16T15:28:00.000-07:00

“Hacemos música que canta, a la vez suave y robusta”, explicó en su primera presentación en Barcelona. Gustavsen ha cerrado con su último disco, “Being there”, una trilogía discográfica que el tiempo confirmará como una de las aportaciones mayúsculas del jazz del nuevo siglo XXI. Con su música lírica y melódica, muy a menudo insinuada (“busco muy conscientemente crear la espera de una frase que viene, de una sugerencia, de una resolución…”, ha declarado a la revista Jazzman), la obra de Gustavsen crece día a día.
Las canciones de los dos discos anteriores (“Changing Places” y “The Ground”), así como las de este disco, son parte del repertorio que han venido tocando en vivo, con lo cual reflejan la alegría de la vida, la reflexión y la contemplación de tres músicos que se conocen desde hace un largo tiempo.
Así como Gustavsen puede tocar la misma nota de diferentes maneras, “Being There” tiene innumerables capas que lo hacen un gran disco para sentarse a escuchar; te pide calma cuando todo el mundo corre loco a tu alrededor; algo realmente subversivo para los tiempos que corren.

L'amitie

2008-07-19T16:11:00.000-07:00

Con la canción L'amitie interpretada por Françoise Hardy, terminaba la película "Las invasiones bárbaras" de Denys Arcand.
Se la dedico a todos mis amigos. Alejandro Z

Beaucoup de mes amies sont venus des nuages
Avec soleil et pluie comme simples bagages
Ils sont fait la saison des amities sinceres
La plu belle saison des quatres de la terre
Ils sont ce tout douceur de plu beaux paisages
Et la fidelite des oisseaux de pasage
Dans leur coeur est gravee une infite tendresse
Mais parfois dans les yeux se glisse la tristesse
Tu pourras repartir au fin fond des nuages
Et de nouveau sourir a bien d’autre visage
Donner autour de toi en peu de ta tendresse
Lorsque un’autre voudra te cacher sa tristesse
Comme l’on ne sait pas ce que la vie nous donne
Je peux qu’a mon tour je ne sois plus personne
S’il me reste un ami qui vraiment me comprenne
J’oblierai a la foi mes larmes et mes peines.
Alors, Peut-etre aussi je viendrai chez toi et moi
A ton bois.

Pueden ver el video: http://es.youtube.com/watch?v=cnhfG84FpXA

Por el cielo andarán otros pájaros, este se queda acá...

2008-07-03T14:34:00.000-07:00

Hace ya 3 años que falleció Sergio Grass, voy a tratar de no estar triste y lo recordare con sus pinturas preferidas.

Tiene los pies ligeros como el viento
y una boca inoportuna siempre abierta.
No sabe mentir, tampoco dice la verdad
y sufre ataques de cosquillas al atardecer.

Dice que no alcanzan las palabras
cuando el vuelo de los sueños pierde altura.
Le gusta bailar, se esconde cuando dan las diez
y manda cartas a cualquiera en algún lugar.

Es así ya no quiere cambiar
tanta arena bebiendo del mar.
Por el cielo andarán otros pájaros
este se queda acá.

Es así enemigo del sol,
luz de luna bañando sus pies.
Por el cielo andarán otros pájaros
este se queda acá. (S.G)

Misterioso - ECM

2008-06-17T11:21:00.000-07:00

"Misterioso" en un álbum que recoge cinco piezas de música de cámara del repertorio de tres grandes compositores contemporáneos: "Spiengel im Spiengel" una versión para clarinete y piano del compositor Estonio, Arvo Pärt. "Post Scriptum" y "Misterioso", obras para violín, piano, y clarinete del compositor Valentin Silvestrov. Y “Sonata” para violín y piano, junto a otras obras para clarinete, violín, y piano, del compositor Ruso, Galina Ustvolskaya. Están interpretadas por Alexei Lubimov, piano. Alexander Trostiansky, violín. Kyrill Rybakov, clarinete.
Otra maravilla del exquisito sello ECM

Concha Buika - Niña de Fuego

2008-06-17T09:59:00.000-07:00

Buika se desnuda en su tercer álbum “Niña de Fuego” y la portada es lo de menos. Buika se despoja de telas y vestidos con los que se adornan la mayoría de los discos y nos deja a solas con los sentimientos.

Buika ha cultivado el arrebato durante toda su carrera. Nació en Palma de Mallorca en 1972 donde vive su familia originaria de Guinea Ecuatorial. De su madre aprende a escuchar a las grandes voces del jazz, pero desde la ventana de su casa y por la radio se cuelan las coplas de toda la vida y en la calle se pega el quejío flamenco que quedará definitivamente impregnado a su piel.

Canta en bares y clubs de Mallorca, graba varios temas house, colabora con La Fura del Baus en “Ombra“. En el 2000, no se acuerda muy bien como y por qué, llega a Las Vegas, donde trabaja en casinos como doble de Tina Turner y The Supremes y donde es invitada por la dama del jazz Rachelle Ferrell, a cantar en el Club Blue Note.

Se instala en Madrid y en su primer disco demuestra las infinitas posibilidades de sus talentos. En el estudio de grabación le gana el pulso a cuatro productores empeñados en imponer un estilo reconocible. Ahora sabemos que es imposible resumir su carrera en una línea, pero abre la boca y sabes que no hay otra cantante igual.

LIFE - fluid, invisible, inaudible... SAKAMOTO Ryuichi + TAKATANI Shiro

2008-05-23T12:53:00.000-07:00

"LIFE--fluid, invisible, inaudible ..." is the fruit of a new collaboration by SAKAMOTO Ryuichi and TAKATANI Shiro. An installation ceaselessly co-mingling sound and image, it provides an unprecedented place where the "fluid, invisible, inaudible ..." are perceptible to the entire body.
While the genesis of this piece is in SAKAMOTO Ryuichi's opera "LIFE" (first performed in 1999, for which TAKATANI Shiro the video aspects) as is evident in the title's "fluid, invisible, inaudible ..." it revisits the resources of sound and vision in "LIFE" now,several years later, in this new millenium, for an entirely new deconstruction and evolution of the work. If we say that "LIFE" was an experiment conducted in opera's linear, modern form at the end of the 20th Century, then the installation configuration of "LIFE--fluid, invisible, inaudible..." must surely be a non-linear, decentralized flow of audio and visuals which the visitors themselves enter to experience.

A grid of 3 x 3 acrylic aquariums, 30cm high and 1.2m square are hung, in a darkened room. Each carries a thin film of water inside. Each has speakers affixed at both ends. Inside of each a fog is artificially created using ultrasonic waves, percolating fluid patterns which hover between transparency and opacity. Imagery transmitted down into these tanks from projectors attached above them--at times synchronizing all aquariums, at times decoupled and seemingly autonomous--shines down through this screen of kinetic patterns woven of water and fog, connecting the imagery while ceaselessly melting, floating endlessly between flows of meaning and meaninglessness, the concrete and the abstract.
Video: http://www.youtube.com/watch?v=p38f-Agmz2A
Icc
Tokyo Opera City Tower 4F - Japan
Toll-free Telephone 0120-144199 (Domestic only)

Classical Variations - Uri Caine

2008-05-23T12:50:00.001-07:00

Ningún otro artista ha ejercido en la última década una influencia mayor en el ámbito de la música clásica y el jazz que Uri Caine. Sus adaptaciones y recomposiciones de grandes obras cásicas han provocado un general entusiasmo entre el público y la crítica, fruto de lo cual ha sido la obtención este año del Echo Klassik, el galardón musical más importante de Alemania. Winter & Winter ha aprovechado esta ocasión para lanzar Classical Variations, album que recoge grabaciones inéditas del neoyorkino, así como algunos de sus más conocidos acercamientos al mundo de los clásicos.
En tiempos de fusión, confusión y crossover de diversos pelajes, es importante estar atento para distinguir el grano de la paja. Visto desde lejos, y sin pararse a deslindar como merece, lo que hace Uri Caine en sus aproximaciones al mundo clásico es justamente eso: cruce de estilos, mestizaje. Pero se trata sólo de una verdad a medias o, mejor, de una inexactitud. Lo que en realidad propone el estadounidense es una transformación, una metamorfosis del original, a veces perfectamente reconocible, otras semiagazapado, otras oculto bajo una máscara.

Ponerse una máscara es fácil: cualquiera puede hacerlo. Idear, dibujar, colorear, recortar, ajustar las máscaras que utiliza Caine requiere facultades y conocimientos al alcance sólo de los elegidos. De Bach a Mahler, Caine se ha atrevido con todo y raramente ha repetido los mismos esquemas. Uno de los aciertos que supone recopilar, como hace este disco, algunas de sus variaciones sobre músicas clásicas es justamente que nos permite cotejar fácilmente unas con otras. Mahler fue el primero en 1997, un disco con un alto contenido simbólico porque, aunque no inauguraba estrictamente su catálogo, sí que dio a conocer a mucha gente la existencia de Winter & Winter, un sello pequeño, casi a one-man label, en unos años en que los sellos pequeños aún no estaban de moda, o no eran necesarios y (auto)suficientes, como sucede ahora. Hasta profetas milenaristas como Norman Lebrecht saludaban, con un optimismo que sólo se permiten destilar a cuentagotas, una grabación que ponían como ejemplo del único futuro posible de una industria venida a menos, ahogada como estaba por sus propios errores e indigesta tras sus muchos excesos. Luis Gago

Miami Gay & Lesbian Film Festival - 25 de abril 2008

2008-05-21T07:32:00.000-07:00

Miami Beach - 23 de abril 2008

2008-05-21T07:08:00.000-07:00

Fotos de Marcelo Pitarque

2008-05-20T14:50:00.000-07:00

Les musiques de Chagall – Naive

2008-05-20T14:47:00.000-07:00

La música y el canto están presentes en toda la obra de Marc Chagall, y en este álbum doble Les musiques de Chagall, esta recopilada la música que acompaño al extraordinario artista en toda su vida, desde su niñez hasta sus últimos días en Paris.
La obra de Chagall nos regala imágenes de la semejanza significativa que existe entre los animales y los hombres, entre el orden de lo natural y de lo humano, todo en un mismo cielo. Con todo ello, Chagall construye una obra variada que suele relacionarse con la corriente surrealista, donde una parte importante la dedica a reflejar temas de origen bíblico, siempre desde su particular mundo, en el que la perspectiva suele desaparecer, subyugada por los efectos del color y por esas figuras que parecen salir directas desde un mundo de sueños y fantasías personales. Siempre en sus pinturas hay celebraciones con bailes, músicos tocando violines o acordeonistas en los tejados, en los horizontes de sus pinturas siempre la música esta ahí, se puede sentir y gozar.
Les musiques de Chagall, esta divido en dos discos, muy diferentes: el primero hace referencia a la música que escucho en su infancia, junto a sus padres, donde una serie de canciones tradicionales rusas y judías, quizás las que influenciaron en su pintura, que siempre estaban presentes en su obra; aquí todo el disco pasa desde la nostalgia a los climas más festivos y en la selección encontramos canciones Yiddish como Donna, donna, Az der rebe y temas de música Klezmer como Zilberne Khasene, Di mezinke oysgegebn. Composiones de Tchaikovski (1840-1893) o Dimitri Chostakovitch (1906-1975), hacen un deleite, y al escuchar estos temas les recomiendo no dejar de mirar algún libro con obras de Chagall mientras escuchan esta música, tendrán una experiencia de mucho enriquecimiento espiritual.
En La música de la inspiración, así se llama el disco 2, están las obras que acompañaron al artista ya en la etapa más importante de su trayectoria, acá hay obras de Bach (1685-1750), Ernest Bloch (1880- 1959), o Maurice Ravel, quienes siempre estaban de fondo en el atelier del artista en Paris, mientras pintaba quizás maravillas de la pintura como Champ de Mars o Le Cirque.
También están las versiones de Tachaikovsky, Piano Trio Op.50, para la cual Chagal pintó la escenografía para la presentación del Ballet Aleko bajo la coreografía de Leonid Massine en 1942, y también hay otras composiciones para las que hizo el mismo trabajo, como para Chloé en Paris en 1958 o La flauta mágica en Nueva York en 1965.

Angélique Ionatos canta Frida Kahlo “Alas pá volar” - Naive

2008-05-20T14:46:00.001-07:00

La famosa cantante griega Angélique Ionatos, está radicada hace varios años en París, y todos sus trabajados discográficos los edita el exquisito sello francés Naive. Alas pá Volar, es un admirable disco, donde la famosa artista y el músico francés Christian Boissel, se dieron a la tarea de revivir algunos pasajes escritos en el diario de Frida Kahlo.
El álbum es un homenaje, donde Frida es la autora de todas las canciones que interpreta Ionatos, respaldada en el pianista Christian Boissel y ayudados por la adaptadora de los textos Christine Ferarios y los músicos César Stroscio y Michael Nick, ejecutando el bandoneón y el violín respectivamente.
Las trece canciones son interpretadas en español, logrando un valioso trabajo con una cuidada producción. Los textos, tristes, despiadados, enigmáticos, pasionales, le aportan la poesía ideal, para que esta notable intérprete nos regale un bello registro.
De 1944 a 1954, Frida Kahlo llevó un diario íntimo que recoge poemas, pensamientos, confidencias sentimentales y dibujos. Ese manuscrito fue conservado bajo llave durante cuarenta años, y de allí provienen los textos que canta Angélique Ionatos en este álbum.
El disco comienza con las siguientes palabras: “Si tan solo tuviera cerca de mí, cerca de mí, su caricia, como a la tierra el aire, el aire se la da. La realidad de su persona me haría mas alegre, me alegraría del sentido que me llena de gris, de gris. Yo creo que es mejor irme, irme y no escaparme…”. Con Frida Kahlo, en este soberbio disco, encontramos una puerta en donde podemos entrar en la intimidad de su universo, el de una mujer que fue una figura mítica creada por si misma, el centro exótico de una esfera que incluía amigos y amantes como Leon Trotsky, Nelson Rockefeller, Isamu Noguchi, o Dolores del Río.
En todas las canciones esta presente quien fuera su marido Diego Rivera, pero también remonta a su infancia y a la juventud, toca temas como la sexualidad y la fertilidad, la magia y el esoterismo, así como su propio problema físico. Es más que recomendable este disco en donde Angelique Ionatos hace un deleite en cada canción y muy notable el trabajo en el bandoneón de Cesar Stroscio al igual que el resto de los músicos
Es muy emocionante el final de Alas pá Volar, con unas palabras que lo definen: “Tu, todo tú en la sombra y en la luz”, texto que escribió Frida, a horas su muerte.

El mandala - Punta del Este - Abril 2008

2008-05-20T14:44:00.001-07:00

El mandala - Punta del Este - Abril 2008

2008-05-20T14:41:00.000-07:00

Nostalghia - Song For Tarkovsky - ECM

2008-01-31T06:47:00.000-08:00

Nostalghia: Song for Tarkovsky es un álbum del pianista y compositor Francois Couturier inspirado en la obra de uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos: Andrei Tarkovsky.
Algunos deben tener presente el último trabajo de Couturier, Le pas du chat noir. Otros lo recordarán por haber integrado la banda de John McLaughlin durante la década del ’80.
Los menos memoriosos quizás no puedan precisar quién es Couturier, ni McLaughlin y mucho menos Tarkovsky. Pero más grave es el caso de un grupúsculo de personas, a los que provisoriamente llamaremos “los amnésicos”, que ni siquiera saben cómo llegaron a este comentario.
En cada una de las composiciones de Nostalghia: Song for Tarkovsky hallamos un intento por representar una emoción específica ligada al universo del gran cineasta ruso: su filmografía, su estilo, sus actores, la música de sus películas y también su forma de jugar con los colores.
Couturier no sólo asumió el riesgo implícito que significa captar la esencia del pensamiento de Tarkovsky, sino que además transforma en sonidos un mundo construido en origen por imágenes.
El cine es una conversación audiovisual que involucra al espectador por medio de complejas operaciones que son ajenas a la película en sí. Para el psicoanálisis, esa movilización tiene que ver con la idea del deseo.
El deseo de ver o el deseo de seguir viendo o recorrer el camino de la duda a través de la interpretación.
Allí el espectador ocupa una posición de privilegio ya que puede ver todo sin ser visto, sobre todo si uno se sienta en la última fila y con la cabeza entre las piernas. Usualmente las propias, salvo que una señorita (o señora) lo autorice. Ahora bien, si usted prefiere un señor es asunto suyo; después de todo... esta oscuro.
El cine en sus comienzos no era considerado un arte, sino una curiosidad científica, una técnica de fotografía o un entretenimiento; pero, a medida que su lenguaje se fue embelleciendo, adquirió un estatuto artístico.
Tarkovsky, tal vez, haya sido quien más contribuyó en ese sentido.
Su obra, además de la profundidad conceptual, tiene un carácter melancólico enfatizado por la utilización de extensos planos secuencia.
El primer acierto de Couturier radica en que sus composiciones tienen un efecto similar. Para ello sacrifica su vocabulario jazzístico en pos de ofrecer una respuesta contemplativa y que invoca a la reflexión. Así formaliza una estructura narrativa que invita a la percepción simbólica, en perfecta simetría con el objeto artístico que motivo este trabajo.
Couturier no intenta trasladar en forma lineal el núcleo creativo de la obra de Tarkovsky; sólo abreva en sus fuentes como medio de inspiración. Y esto no debe resultar una tarea sencilla ya que el nervio principal de esa inspiración proviene de alguien que sentenció: ”Estoy convencido que una película no necesita música”.

Curiosamente, el disco inicia con Le sacrifice, composición que alude al último trabajo cinematográfico de Tarkovsky. El Sacrificio recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes en 1986. El soundtrack de esta película (maravillosamente protagonizada por Erland Josephson) incluía música folclórica japonesa y suiza y una versión de La pasión de San Mateo de Johann Sebastian Bach.
Couturier se inspira en el Ebarme Dich de ese oratorio de Bach que aborda el sufrimiento de Cristo según el Evangelio de San Mateo. Un etéreo solo de piano precede a los intensos acordes de Jean-Louis Matinier en acordeón. Sobre el final se invierten los roles estructurales pero conservando el lineamiento esbozado al inicio.
Sigue Crepusculaire en homenaje a Sven Nikvist, quien fuera director de fotografía en la película El Sacrificio. Un extenso pasaje en cello a cargo de Anja Lechner desemboca en una sugestiva intervención de Couturier en la que los silencios ocupan un lugar de privilegio. Las capas de texturas con claras connotaciones barrocas se diluyen lentamente luego de ser atravesadas por un luminoso solo de piano.
Nostalghia está dedicada a Tonino Guerra, quien colaboró con Tarkovsky en 1983 en el guión de la película del mismo nombre. Sobre una delicada secuencia de acordes surgidos del piano de Couturier, se desliza el saxo soprano de Jean-Marc Lerche hasta confluir con el resto de los instrumentos en un reposado y melancólico final.

TONY TAKITANI

2008-01-30T05:47:00.000-08:00

Una película de Jun Ichikawa, basado en un relato de Haruki Murakami

Este relato de Murakami, que creo no está traducido al castellano (el fragmento corresponde a los subtítulos de la película), es en el que más se notan las influencias occidentales del escritor japonés. Dostoievski, pero, sobre todo, Paul Auster y John Irving, de quienes Murakami fue traductor al japonés, dejan una huella bien clara en Tony Takitani.
De todas formas lo que se debe destacar de la película es el trabajo de su director, Jun Ichikawa, y su intento de conjugar la narración literaria con la cinematográfica.
Al igual que ocurría en Smoke, curiosamente y de nuevo, de Auster y Wang, donde el momento de mayor conjunción entre lo cinematográfico y lo literario se produce en el cuento de Auggie Wren, relatado oralmente, en Tony Takitani la voz en off es el hilo conductor que hilvana las imágenes y el nexo entre lo cinematográfico y lo literario.
Como si sólo la narración contada, no plasmada en imágenes, fuese quien posibilitase la unión entre cine y literatura.
Pero Tony Takitani va un paso más allá. La voz en off es la de un narrador omnisciente que se adentra en los sentimientos de los personajes y muestra el mundo interior de cada uno de ellos, mientras las imágenes, de una pausada calma, con la perfección icónica a la que los directores japoneses son tan afectos ( Kitano, Imamura, etc...) redunda en esas emociones. Pero Ichikawa consigue que en ningún momento esa doble exposición, voz e imagen, parezca redundante, muy al contrario, se complementan de forma que el conjunto resultante es estéticamente muy apreciable.
De todas formas cabe alguna reflexión sobre estos intentos de aunar cine y literatura. En primer lugar, y fundamentalmente, si sólo el relato oral puede ser el nexo como ocurre en Tony Takitani y en el fragmento de Smoke mencionado. En segundo lugar, de forma más irónica, si es necesario que los personajes se parezcan a los autores: William Hurt a Paul Auster; Issei Ogata a Haruki Murakami

SATURNO CONTRO (*) pero la vida a favor…

2008-01-16T06:17:00.001-08:00

SATURNO CONTRO (*) pero la vida a favor…
Teresa Donato

No sé si esta película de Ozpetek es buena, está bien dirigida, está bien escrita, se parece a las anteriores, anticipa las posteriores o vaya a saber qué. Yo, lo único que sé es que me emocioné. Me vi en pantalla rodeada de mis amigos. Me sentí contenta de pertenecer a ese grupo aunque el director no lo sepa.
Ese aparentemente grupo de freaks que rema contra la corriente me hizo acordar al mundo de mis abuelos y de mis padres. Un mundo que se va si no le ponemos un ancla pesada. Personajes con una cáscara bizarra que protege un contenido poderoso pero pasado de moda.
Gays, lesbianas, trans, étero traicionados, “extra” comunitarios (considerando que Europa sea una comunidad) lo que venga. Pero eso sí: buena gente. Que se entristezca ante la desgracia pero que festeje el éxito (algo que parece fácil pero, la mayoría de las veces, deja un gusto de envidia entre los dientes).
Un grupo que cualquier corazón sensible quisiera tener. Yo lo tengo. Somos ocho tan alternativos como ellos. Tan conservadores como ellos. Tenemos la esperanza de envejecer juntos y ya encargamos a los más jóvenes la elección del geriátrico o la contratación de la enfermera.
Tenemos mucha suerte. Compartimos lo que hay, nos acompañamos cuando viene la adversidad, brindamos a lo loco cuando nos toca una buena. Lo pasamos bien. Aunque la gente nos mire de reojo y murmure alguna que otra cosa cuando nos ve pasar. Nunca falta la miradita suspicaz pero no nos importa. Nada de nada.
Tenemos algo que no se compra con dinero. Ni siquiera con la Master Card. Y a la hora de la verdad, cuando se nos caiga el pelo y nos crezca la panza vamos a estar ahí riéndonos de lo mismo, tal vez moviéndonos menos pero tendremos muchas fotos que mirar para no arrepentirnos del pasado pisado.
Espero que Ozpetek nos siga mostrando como somos. Yo creo que él nos conoce. Quiero aclarar que en nuestro grupo de los ocho (así nos llamamos) no hubo unanimidad. A algunos no les gustó la peli, a otros los aburrió pero a Ale y a mí nos emocionó mucho… Es que en nuestro grupo no todos pensamos lo mismo. Como en cualquier grupo de personas normales…

(*) Aquí esta peli se llamó “No basta una vida” vaya a saber uno porqué…

PS: Ozpetek nació el 3 de febrero… Yo nací el 2… Un dato sin importancia para nadie salvo para mí…

Mi amor por los discos

2008-01-09T13:48:00.000-08:00

Encontré este texto en un disco de Adrián Iaies
Me parece que yo lo hubiera escrito.

“El amor por los discos suele ser adictivo. Por distintas razones tanto quienes los compramos como aquellos que los venden; músicos, productores, críticos; en su fin, supongo que en mayor o menor medida, todos hemos perdido alguna vez la cabeza a causa de un disco imprescindible.
En mi caso personal ese amor siempre anduvo orillando la desmesura y digo, sin ninguna ilusión de resultar original o de sorprender, ellos han sido hasta ahora mis mejores maestros, un espejo en donde mirarse, una verdadera hoja de ruta”. Adrián Iaiaes

Fortaleza - Brasil / diciembre 2007

2008-01-09T12:37:00.000-08:00

Fortaleza - Brasil / diciembre 2007

2008-01-09T12:31:00.000-08:00

B.S.O. Almodóvar

2008-01-09T11:20:00.000-08:00

Tras el enorme éxito de ventas cosechado en el año 1997 con la publicación del disco "Las canciones de Almodóvar" por esta propia compañía, se pone a la venta la continuación de dicho disco.
En este caso se trata del doble álbum "BSO Almodóvar" y, además de muchas de las canciones que se encontraban en el primer disco, se han añadido muchas de las canciones utilizadas por el director manchego en las películas que ha rodado desde 1997 hasta la actualidad, muchas de ellas, las de mayor éxito tanto nacional como internacional. Como el propio Pedro dice en el texto que acompaña el libereto del disco, todas las canciones de este disco han sido seleccionadas por él mismo y usadas en sus películas como un elemento artístico más, al igual que los decorados o los propios actores, y no como "música de fondo".
Así pues, podemos encontrar en este doble álbum las canciones más importantes que se han utilizado en sus películas, de artistas de la talla de Chavela Vargas, Caetano Veloso, Ismael Lo o Bambino entre muchos otros. Puro desgarro.

video de la presentación:
http://www.youtube.com/watch?v=pNtqR5d0c0w

Orient- Express - Paris Constantinople / Winter&Winter

2008-01-09T11:08:00.000-08:00

Stephan Winter ha subtitulado esta su última propuesta como "The Musical Travelogue from Paris to Constantinopla in June 1905", como una suerte de álbum de fotografías sonoras que recordara los lugares por donde pasa el Orient Express, pura literatura, puro cine, puro viaje. Es también una evocación de un pasado que no volverá, en el que el orden pulquérrimo del París de partida se fuera mezclando con los olores y los sabores fruto de la mixtura de la que, por fuerza o de grado, formaba parte una buena porción de esa Europa central, fronteriza tanto tiempo con los turcos, a la que los desastres geopolíticos de hoy nos han puesto al descubierto. Son músicas de la calle y de los cafés, de los teatros y de los bailongos, alegres músicas tras las que no es difícil encontrar un gesto de complicidad con la historia en forma de presentimiento, un guiño tras el compás de tres por cuatro, un aviso -como aquel de los trenes que nos prevenía del peligro de asomarse al exterior- de los riesgos de ver más allá de lo que la felicidad casi fingida de estas músicas tan gratas nos propone a simple vista. Pero hay algo en este disco especialmente hermoso y decididamente inquietante: la sensación de realidad, la presencia engañosa de lo que hoy llamaríamos tiempo real. Además de la música oímos el rumor de la estación, el silbido del vapor, el trajín del vagón restaurante, el cambio de vía, el cruce de la frontera. Sonidos que no son música pero que hacen de verdad pertinente la que aquí acompañan. Tan importante es, al cabo, en nuestro viaje, Brahms -clarinete, acordeón, tapan y trambuka- como el maquinista, Bizet como el aduanero, Ivanovici -ay, Olas del Danubio- como ese operario lleno de grasa que golpea las ruedas con un martillo. Este disco, precioso -que es también un delicioso librito.
En este tren viaja un mundo por el túnel del tiempo

Soeur Marie Keyrouz y la belleza de su voz

2008-01-09T10:45:00.000-08:00

Hay motivos que nos hacen confiar en que el bien acabará triunfando en el mundo. Por ejemplo, la belleza de la música.

Soeur Marie Keyrouz, nació en un momento en que el Líbano era asolado por las bombas (1984) y sentian todos una gran necesidad de paz. Soeur Marie Keyrouz que, vivía en Beirut, soñaba con luchar contra la desintegración de su país a causa de una mal llamada guerra de religión y contribuir así a superar la intolerancia, la degradación de la cultura y el olvido de lo sagrado. Ello llevó a la religiosa efectuar un llamamiento a sus compatriotas libaneses, sin distinción de ritos ni creencias, para que se reunieran en torno a la música sacra. Así nació l'Ensemble La Paix, que tres años más tarde, congregó a músicos de todos los países y todas las religiones del Próximo y Medio Oriente unidos por el mismo deseo de interpretar música espiritual.
Musicólogos o músicos, compositores o simplemente profesionales, cada instrumentista o cantante (voz, citara oriental, flauta, kaman, nay...) goza de un puesto privilegiado en él si del grupo y colabora admirablemente, ja sea en el acompañamiento, como en la improvisación, con Sor Marie Keyrouz. El grupo viaja por todo el mundo interpretando tanto el repertorio de a capella, como el acompañamiento vocal y instrumental para una formación de cuarenta músicos.
Soeur Keyrouz utiliza su voz, su cuerpo y su arte al servicio de la palabra divina y de su misión religiosa. Tal como se refleja en sus discos, nunca un cruce de religiones ha conseguido tantos éxitos, hasta el punto de que como mensajera de la paz, luz de la música sacra y voz misteriosa de Oriente, ha realizado recitales en todo el mundo. Actualmente, son frecuentes los conciertos con su grupo Ensemble La Paix, nombre que define perfectamente su deseo de tolerancia, universalidad y ecumenismo

Metropolis Shanghai - Showboat To China / Winter&Winter

2008-01-09T10:29:00.000-08:00

El sello WINTER & WINTER nos invita a emprender un otoñal viaje sonoro a Shangai, a un Shanghai ya desaparecido, el de los años treinta y primera mitad de los cuarenta, la época dorada del ''París de Oriente'', del ''Burdel de Asia'', uno de los momentos más decadentes y turbios que ha conocido la historia. Y es que la Shanghai colonial era por entonces paraíso del juego, del espectáculo, del sexo, de la especulación, pero también infierno de miseria, explotación y desesperanza. Shanghai, pues, con todos sus estratos, niveles y esferas de experiencia humana, con sus líneas de confluencia y de exclusión, vasta topografía tan esplendorosa como corrupta, es la protagonista de uno de esos discos conceptuales especialidad de la casa, como los dedicados a La Habana o al Orient-Express. Si se tratara de un documental podría hablarse de Metropolis Shangai. Showboat To China en términos de plano-secuencia que sucesivamente recorre los industriosos muelles, los lúgubres bares populares, las atestadas calles, los fumaderos de opio, los más lujosos prostíbulos y salones de baile, pero también de verdadero collage sonoro en el que los sonidos y ruidos de ambiente encuentran su lugar preciso.
Cada espacio cuenta con su correspondiente ilustración musical a cargo de fieles y eximios colaboradores del sello de Stefan Winter, como Fumio Yasuda o el grupo Brave Old World de Alan Bern (responsable del reciente y espléndido Cantos del ghetto de Lodz, que aquí alumbra un aspecto inusual pero significativo de este Shanghai multicolor, multiracial, el de la comunidad judía huída del nazismo y portadora de un vibrante legado en forma de música klezmer). Se escuchan por lo tanto diversas composiciones de corte occidental, algún vals y hasta una pieza de Jacques Offenbach en singulares arreglos. Claro está que algunos grandes momentos de este trayecto son proporcionados por los temas tradicionales y las piezas populares de sonoridades cantonesas, a cargo de Wang Yongji al frente de un conjunto instrumental de fascinantes timbres, sin olvidar las emocionantes oraciones acompañadas por el tañir de la campana de un grupo de monjes budistas.
En fin, apresurémonos a sumergirnos en este delicioso y caleidoscópico universo musical antes de que se desvanezca para siempre: la invasión japonesa de 1943, igualmente documentada por medio de una marcha patriótica, lo finiquitará brutalmente.

Bring Them Home

2007-11-13T08:19:00.000-08:00

Entren en este link y escucharan: Bring Them Home, una belleza de Ryuichi Sakamoto
http://www.sitesakamoto.com/bth/bth2.html

La Dolce Vita, una compilación de Marco y Silvano Silvi

2007-11-13T07:42:00.001-08:00

La Dolce Vita es el nuevo disco doble editado por el sello italiano Halidon, donde los djs Marco y Silvano Silvi recopilaron perlas musicales que nos llevan imaginariamente a la época del cine de oro romano de los años 60; más precisamente a las noches de Via Veneto y todo su glamour. En la Via Veneto se había inaugurado un nuevo establecimiento, llamado Café de París con mesas y sillas en la acera, y era el punto de encuentro de famosos, actores, ricos, que entre cockteles y aperitivos hacían aparecer con frecuencia a Mastroanni, Fellini, Liz Taylor, Sophia Loren, Anita Ekberg, Grace Nelly, entre otros.
El disco es una invitación a revivir imágenes de la genial película La Dolce Vita, ya que refleja un poco lo que pasaba en esas noches, donde todo era estar bien, divertimento, vivir un momento particular, celebrar con amigos hasta la madruga. El disco tiene canciones de los 60 con un fina selección de lounge y standards de jazz.
El álbum tiene dos discos, muy diferentes uno del otro. El primero es una fina selección de lounge, cocktel e Easy pop, donde no faltan Moka Bet, Pizzicato Five (con una genial versión de Its Beautiful Day), Montefiori Cookteail, y nos regala una particular Comment Te Dire Adieu, el famoso A man and a Woman, el tema de Ultimo tango en París, en una moderna versión por el grupo 45 Dip, entre otras lindas versiones y agradables covers.
El segundo disco es el que tiene joyitas del lounge y el standards jazz. El álbum abre con el tema de La dolce Vita por Nino Rota, luego sieguen Fly Me To The Moon por Julie London, Besame mucho por Ray Conniff, Lollipop por The Chordettes, y la brillante versión de More por Bobby Darin, entre muchos otros.
El sueño cinematográfico de Federico Fellini, la vida veloz y alocada, los elegantes hoteles y espaciosos cafés al aire libre de Via Veneto, el estado de transito de alguien que disfruta de la vida, los cockteles en copa triangular, llorar penas de amores al barman en una barra, todos son los elementos capturados en esta ingeniosa compilación La dolce Vita.
“La vida contemporánea está repleta de contradicciones: una vida frenética, tensa excitante y en rigor, un vacío terrible, una inmovilidad. Los hombres, por ejemplo, que van de una mujer a otra, de aventura en aventura. Y todo eso, nada más que para terminar uno girando alrededor de sí mismo, sin moverse del lugar. Roma es la Babilonia de mis sueños. La elegí por su permanencia. Roma está ahí como un símbolo.” (Del libro “Fellini, una vida” de Hollis Alpert).

"I'm a Fool to Want You" Billie Holiday

2007-11-13T07:34:00.000-08:00

Creo sin duda que debe ser una joya del jazz este disco, ya que se trata del penúltimo que grabo en estudio la magnífica Billie Holiday, dotada de una de las voces más sublimes del jazz. Lady in Satin se grabó en el 58, pero ahora se reeditó masterizado y con versiones guardadas y no conocidas hasta ahora. Se trata de una pieza de colección y el librito interior por suerte se edito respetando la edición original. Allí encontramos notas y diálogos de la grabación, así como también fotos inéditas y mucho más material.
Podría decir que la canción "I'm a Fool to Want You" que abre este álbum es la más triste y bella del jazz, y en el bonus track hay varias versiones de ella.
Cuando escucho este disco, me produce emoción y mucha nostalgia, no se que produce en mí "I'm a Fool to Want You" que no puedo escucharlo y no llorar al mismo tiempo...

Foto que me saco Marcelo Pitarque

2007-11-13T07:30:00.001-08:00

Buddhattitude, un nuevo lujo en Hotel Hilton París

2007-10-29T10:35:00.000-07:00

Buddhattitude es el nuevo lujo del hotel Hilton en París y es un spa, creado por Evian y la gente de los famosos restaurantes Buddha Bar y por supuesto se editó un disco con música del que se difunde allí, un lugar decorado con elementos de oriente. Su diseño se basa en los cinco principios del budismo: espacio, agua, tierra, fuego y aire. El ambiente de paz y tranquilidad que se perciben al entrar es fruto de una combinación de elementos decorativos, aromáticos y musicales.
Este disco es una nueva exquisita colección de música de Oriente Medio, India y China, que se ven plasmadas en esta delicada y sencilla colección, para los amantes del relax, el dialogo y la meditación, entre sonidos de agua y sutiles armonías que encontramos en este nuevo álbum, creado por diferentes artistas del chill y ambient, que ya colaboraron con la gente de George V. Records en otros proyectos.

Béatrice Ardisson : La reina del cover

2007-10-29T10:31:00.000-07:00

Según David Bowie es la reina de las pinchadiscos, si lo dice el Duque Blanco… ¿por algo será, no?
De mediana estatura y muy simpática, y de origen vasco, Béatrice Ardisson se educó en París y vivió a pleno la movida de los 80. Estudio moda y se graduó en la Academia de Bellas Artes de París. Su nombre era muy común un la noche parisina de aquella época, pero su muy buen gusto y talento la llevó a entrar en el mundo de la música, pero no por cualquier entrada, sino por ser una gran coleccionista de discos de todas las épocas.
Se casó con el famoso periodista y conductor de televisión Thierre Ardisson, hoy tiene 40 años y tres hijos, y vive en una granja en las afueras de París con un buen número de animales y, según dicen, tiene más de 15.000 discos. Ella misma se define como “diseñadora de sonido”, y dice que gracias a sus compilaciones, encontró “un universo propio y un sonido ya definido”.
Así como musicaliza el programa que conduce su marido “Tout le Monde en Parle”, uno de los éxitos televisivos de la TV francesa, también lo hace para fiestas privadas, hoteles de lujo, o desfiles de grandes diseñadores como Christian Lacroix.
Su hobby y especialidad es la explorar y descubrir versiones raras de grandes éxitos o de hits que son ya clásicos. En los más de 15 discos que editó recopila la música de esos viajes de exploración musical. Son magníficos álbumes imprescindibles para los amantes de nuevos gustos en la música y, según ella, lo más excitante son los covers que se alejan mucho de la versión original, de una forma absurda o surrealista: “cuanto más raras y personales mucho mejor”, dice.
Para ella, en su auto, es la mejor forma de escuchar música. Dice que se pasa muchas horas conduciendo y escuchando en las carreteras, que es como una oficina móvil particular.
Admiradores y amigos de todo el mundo le envían discos, y alega que ya no le alcanza el tiempo para escuchar tanto material que tiene en su casa.
Alguien, alguna vez, le preguntó si ella encargaba tales rarezas, pero lo niega sin dudarlo, diciendo que es absurdo pensarlo y que ya no tiene tanta imaginación, aunque claro, escuchando sus compilaciones si que tiene imaginación, y mucha.
Beatrice Ardisson es una mimada del prestigioso sello discográfico francés llamado Naive, donde todos sus discos fueron editados con un packagin no menos atractivo que sus contenidos; cada disco es pensado y es como un objeto en sí mismo.
Si desean conocer su discografía les recomendamos que comiencen por la serie que conforman cinco volúmenes: Le musique de Paris Derniere. Sin lugar a duda es inigualable, y por ejemplo podemos encontrar a Joey Ramone torturando la balada de Louis Armstrong What a Wonderful World y al coro estudiantil del colegio Langley poniéndole alas al Space Oddity de David Bowie.
Después hay otros muy interesantes discos, como la música que ella eligió para los desfiles de Christian Lacroix, un disco doble llamado Patchwork La musique de C.Lacroix, con canciones increíblemente mezcladas y seleccionadas e inspiradas en el diseñador y su moda.
Mania Classic Mania, IndoMania, Rio Mania y el recientemente editado Bowie Mania son colecciones temáticas, como en Rio Mania que seleccionó clásicos de la música popular brasilera, pero en versiones por artistas de distintas partes del mundo y con ingeniosas versiones. En IndoMania hay versiones de artistas de India haciendo canciones inéditas y curiosidades como Billy Jean (de Michael Jackson), Misión imposible, Tomorrow Never Know” (de The Vétales) o Pop Life de Prince.
Fonquet's es una compilación muy recomendable, esta dedicada a un mítico restaurante parisino ubicado en la avenida Champs Elysses, donde por ese lugar pasó todo el glamour de los años 50, donde el lugar era el preferido de estrellas del cine como Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Elizabeth Taylor y Richard Burton, entre otros. Como no podía ser de otra manera en Fonquet's recopila grandes canciones del cine, pero no las originales, sino exquisitas versiones del mundo de Ardisson.
Bienvenidos entonces al mundo de Béatrice Ardisson, una alquimista de sonidos, covers y música desenfrenada, tamizando lo conocido para compartir los encantos de una esplendida dj.

París - septiembre 2007

2007-10-11T08:39:00.001-07:00

París - septiembre 2007

2007-10-10T11:23:00.001-07:00

París - septiembre 2007

2007-10-10T11:21:00.001-07:00

París - septiembre 2007

2007-10-10T11:19:00.000-07:00

Roma - Septiembre 2007

2007-10-08T11:28:00.001-07:00

Roma - Septiembre 2007

2007-10-08T11:25:00.000-07:00

Roma - Septiembre 2007

2007-10-08T11:22:00.000-07:00

Barcelona - Septiembre 2007

2007-10-08T09:29:00.001-07:00

Barcelona - Septiembre 2007

2007-10-08T09:21:00.000-07:00

Barcelona - Septiembre 2007

2007-10-08T09:18:00.000-07:00

Alva Noto experimenta con el sonido del error

2007-08-29T09:45:00.000-07:00

El artista alemán presento en Madrid 'Xerrox', su nuevo espectáculo
Carsten Nicolai (1965, Karl-Marx-Stadt), artísticamente conocido como Alva Noto, es la mezcla de un científico y un artista. "No me considero un músico. Ése es un término clasico. Yo creo y modifico sonidos". El fundador del sello de música microscópica Raster Noton, actúo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía. Tras Insen, su exitoso periplo junto a Ryuichi Sakamoto, Alva Noto presenta Xerrox, una experiencia sonora sobre el error. Luego, por segunda vez en su carrera, pinchará junto a Olaf Bender, el otro fundador del sello, en un club cercano. A lo primero conviene llegar con tiempo, entrarán los 400 primeros.

"Es un homenaje a Xerox, los inventores de la fotocopiadora y la impresora. Uso Xerrox con una doble erre, para incidir en esa idea del error. Es muy simple, cada vez que haces una copia pierdes parte de la resolución del original. Te enfrentas al problema que el original es único y las copias son múltiples. Así es como funciona la publicidad, los libros, cualquier medio de publicación...", denuncia. "Al final se convierte en ruido, pero todavía puedes oír por debajo el sonido original".

La música es matemática, pero en Noto, que ha tomado prestado del inventor Thomas Alva Edison su segundo nombre, se da con toda crudeza. En lo sonoro y en lo visual. "Para esta obra he desarrollado un software especial, basado en algoritmos matemáticos para los cambios de resolución. Y otro para el visual", dice. Como ya hizo con Insen, y en un proceso de pura sinestesia, Noto muestra el sonido a través de programas informáticos: "Son píxeles moviéndose que forman casi una nube, con mucho grano. Es una nebulosa que puedes identificar imágenes. Como un test de psicoanálisis, una mancha Rocha".

Y todo este tinglado, ¿por qué? "Siempre me ha interesado llevar las creaciones de forma visible más allá de los límites auditivos. No podemos oír las frecuencias muy bajas o muy altas. La única manera de percibirlas es visualizando el sonido. He desarrollado unos principios básicos: bajas frecuencias que modulan superficies o frecuencias muy altas para manipular señales de televisores", explica.

Frente al discurso casi agotado del pop y el rock, la electrónica, gracias a propuestas como las de Raster Noton, parece que aún tiene mucho que decir. "Son olas, el rock tiene momentos muy aburridos, pero siempre hay bandas que sorprenden, con ideas que redefinen la música, que innovan". Y Alemania sigue siendo el epicentro de la música electrónica europea. "Será porque somos como máquinas", dice Noto muerto de la risa.

Pink Martini Hey Eugene!

2007-08-29T09:41:00.000-07:00

Volvió Pink Martini con un nuevo disco. Se trata del el tercer material discográfico de la glamorosa banda de Portland que mezcla el jazz, lounge, sonidos latinos, y siempre innovando, pero con un sello que ya es muy Pink Martini.
Muchas y variadas son las influencias que se encuentran en cada nuevo disco, pero podríamos decir que el cine de los años 30 y 40 son su fuerte, y en cada canción hay color diferente; es una paleta de refinadas melodías en donde la voz del grupo, China Forbes, es sublime, llena de matices, fresca y exótica.
Los integrantes de Pink Martini son nueve músicos de primerísimo nivel, y su fundador es Thomas Lauder, pianista y arreglador de la mayoría de los temas.
El grupo se formo gracias a la iniciativa de Thomas, por casualidad, y los músicos entusiasmados con la propuesta se fueron sumando al proyecto que lleva casi 10 años.
Su primer disco se llamo Sympathique, y las canciones no eran propias. Pero en el segundo disco, Hang On Little Tomato, casi todas los temas eras creaciones de la banda.
En Hey Eugene! regresan con un disco genial, siempre fiel a su estilo, con diferentes ritmos y lenguajes del mundo; es como un disco de viajes, un disco de aeropuerto. Canciones increíblemente románticas y melancólicas, cargadas de dulzura innata.
Las presentaciones de Pink Martini son en lugares insólitos, no son los lugares tradiciones de un concierto, ya que se presentan en museos, halls de aeropuertos, jardines y estaciones. Crean un cierto clima de big band, aunque no lo son.
Cada nuevo trabajo discográfico de los Martini se hace esperar, ya que graban cada cuatro años. Cuidan mucho cada uno de los discos y, principalmente en Europa, sus fans esperan ansiosos los nuevos sonidos que crearán.
El tema que abre el disco es Everywhere, una melodía muy de los años dorados de Hollywood, como si fuese la banda de sonido de una película en blanco y negro, y es una invitación al siguiente surco que es Tempo Perdido, que es quizás el tema más efervescente del disco, un tema de zamba, como si fuese el fondo de una postal de la playa de Ipanema en los 50.
Hay un tema en japonés, otro en hebreo y varios en francés. En este tercer disco nunca pierden el encanto ni la creatividad del primer disco, es más, solo acreditan madurez y talento.
Para quienes no conocen a la banda y para quienes esperaban este disco, se encontrarán con otra maravilla a las que Pink Martini nos tiene acostumbrados. Este es un disco para disfrutar con amigos, para degustar ricos platillos, para tomar tragos, para pasarla bien.

Jane Birkin “Fictions”

2007-08-29T09:40:00.000-07:00

Un nuevo disco bajo el brazo trae Jane Birkin, cada vez más lejos de ser solo la esposa del genio pop francés Serge Gainsbourg. Un excelente trabajo donde esta vez interpreta un desfile de canciones entrañables. Hay composiciones de Tom Waits, Kate Bush, Neil Young, The Divine Comedy entre otros. Temas dolorosos como My Secret de Beth Gibbons y baladas con mucha calma como Steal me dream de The Magic Numbers, hacen que este disco sea una delicia.
Jane Birkin demostrando su madurez como gran artista

Nueva radio on line www.mixage.com.ar

2007-07-02T15:44:00.000-07:00

Hay un set que compile para www.mixage.com.ar
Tienen que entrar en la sección: Mixage - Transcultura (Explorando los nuevos paisajes transculturales)
Pueden escucharlo on line!

La web, la radio, la mezcla, la era, el presente, el tuyo y el nuestro…
mixage
Música electrónica que se disfruta, escucha y mira en la web.

Producción y musicalización: Gustavo Valdivia
Juan Carlos Fontana (periodista)
Alejandro Zárate (musicalizador)
Julio Nakamurakare (traducciones)

Wagner E Venezia - Winter&Winter

2007-05-16T08:18:00.000-07:00

Un amigo me recomendó este disco.
Al escucharlo, entre en un universo sublime que me cuesta salir.

Wagner E Venezia
Uri Caine Ensemble
Live at Gran Caffé Quadri – Piazza San Marco and Hotel Metropole Venice

Llego a Venecia el 29 de agosto de 1858 por la tarde.
En la travesía a lo largo del Gran Canal hasta Piazzetta, sensación de melancolía y animo serio: grandeza, belleza y decadencia estrechamente unidas.
Respiré por primera vez este aire siempre igual, delicioso, limpio; la naturaleza mágica del lugar me mantiene en un encantamiento melancólico, cuya energía surge en todo mo-mento un efecto benéfico.
Varias veces me quedé sorprendido al acabar de comer por el sonido repentino de mis oberturas; cuando me abandonaba a él desde la ventana del restaurante, no sabía qué es lo que me producía el efecto, si las plaza incomparable y magníficamente iluminada, abarrotada por un número incontable de personas paseando, con la música llevando todo esto por el aire como en una abarrotada transfiguración. Richard Wagner

Susheela Raman

2007-05-14T16:35:00.000-07:00

Nacida en Londres hace 28 años en el seno de una familia india de origen tamil, Susheela Raman ha irrumpido en el ámbito europeo de las músicas del mundo con una propuesta personal y globalizadora rebosante de matices y colores. Encontramos en su música un crisol musical evocador, que tiende puentes entre la música tradicional del sur de la India y los latidos urbanos contemporáneos conjugada con patrones africanos. Todo ello, con un envoltorio sensual con regusto a jazz y étnico.
Tres años pasaron desde la concepción hasta la grabación de ”Salt Rain”: música india y ritmos negros, apoyados en un lenguaje simple y cristalino de cantautor. Un primer trabajo que sorprende y seduce por el que Susheela fue nominada a los 'Mercury Price 2001' (primera vez que una artista de 'Músicas del Mundo' opta por este premio y que finalmente ganó P.J.Harvey con “Stories From The City, Stories From The Sea”), y que representa la fusión de tres continentes (Asia, Africa y Europa) a través de una docena de canciones en las que ella y Sam Mills -conocido productor del sello Real World y su pareja sentimental- han estado trabajando.En el disco encontramos composiciones propias (como la que da título al CD inspirada en Annie Lennox), relecturas de escritores clásicos indios como Tyagaraja (compositor indio del siglo XVIII) y Dikshitar (Ganapati, sobre un elefante -representa la divinidad Ganesh- que quiere ir al teatro) y algunas piezas tomadas de repertorios variados ( Song to the siren de Tim Buckley o Trust in me de El Libro de la Selva). Colaboran trece músicos de excepción, entre los que destaca el percusionista egipcio Hassan Ramin, presente en casi todos los temas del disco. Cada uno de ellos aporta los sonidos propios de sus raíces: Guinea Bissau, Camerún, India, Rumania, Francia, Egipto, Grecia, Kenia, América y España, este último con un cajón flamenco.
Entre las más estimulantes de las canciones esta Maya, donde fusiona sonoridades de la India con pop logrando una apasionada fusión.Música sensual y llena de conexiones inesperadas es, en definitiva, un debut prodigioso y una joya musical de obligada audición.

Savina Yannatou

2007-05-14T16:30:00.000-07:00

Savina Yannatou es una de las voces más respetadas de Europa. Nacida en Atenas, Savina ofrece un sonido abierto sin fronteras o etiquetas, canciones simples del mediterráneo, casi siempre acompañada por instrumentos acústicos, cuerdas e instrumentos tradicionales de distintos países del mediterráneo. Más allá de su capacidad interpretativa, Savina Yannatou da énfasis especial a la expresión de la "música" de diversas lenguas que interpreta, utilizando muchas veces su voz como un instrumento más.
Su voz es fascinante, con un ritmo casi musical. En este maravilloso trabajo discográfico las 18 canciones en distintos idiomas hacen de la música un deleite. Composiciones de Grecia, Sardinia, Israel, España, Turbia, acompañadas por el grupo Primavera en Salónico Ensamble, que es un grupo de músicos que acompañan a Savina hace varios años.Savina Yannatou, es una de esas cantantes que no se pueden dejar de escuchar. Las canciones de este disco dejan una sensación agradable, la de haber saboreado lo exquisito

Lila Downs, La reina de Oxaca

2007-05-14T16:09:00.000-07:00

"El alma emana, igual y eterna, de los cuerpos diversos en forma y color. Peca contra la humanidad el que fomente y propague la oposición y el odio entre las razas” José Martín”

Protagonista de unos de los fenómenos más interesantes de los últimos años en la música americana, de la que abarca el norte y el sur, Lila Downs ha sabido extraer de la frontera entre ambos toda la esencia que configura su obra, la misma que mueve a los hombres y mujeres que se juegan la vida diariamente que atravesar esa raya imaginaria sin olvidar sus raíces y su tradición. Nacida Oaxaca, hija de padre norteamericano y madre indígena mexicana, el descubrimiento de su propia historia y la del pueblo, la llevo a cantar sus miserias y sus glorias, y las de los que tanto luchan por permanecer. Desde su canto indio mixteca, la ranchera, el hip-hop, el jazz o el bolero, Lila Downs teje una expresión única, con una voz clara y poderosa, que canta en español, inglés o dialecto indígena de distintos lugares de México.
Desde los catorce años de edad, Lila comenzó a estudiar canto y a educar su voz en clases particulares, ya que sus padres eran artistas y querían que Lila fuera una cantante con estudios.
Después continuó su carrera en Bellas Artes hasta el tercer año, y paralelamente cantaba rancheras, imitando a las cantantes de ópera de la época, y haciendo su propia versión de Carmen o La Traviata.
En Estados Unidos continuó cantando “standards” de Janis Joplin, entre otros, y en ese país la influyó mucho el hip-hop y el jazz. Recién en 2001 edita su primer trabajo discográfico, La sandunga, un disco en donde en la foto de tapa Lila Downs se asemeja a Krida Khalo. En todo el disco se puede sentir que la musa que la inspiró para elegir cada una de las canciones fue la misma pintora, ya que la mayoría de los temas, como La llorona, La sandunga y El venadito, son los que escuchaba y tarareaba en bares y fiestas la hermosa Frida.
Después le siguieron álbumes como Una Línea o Arbol de vida y una sangre, en donde la línea compositiva esta atravesada con lo social, una marca que se encuentra en muchos de los temas compuestos por ella y Paul Cohen, uno de los músicos que la acompaña en todos los discos.

Radiance - Keith Jarret

2007-05-14T16:06:00.000-07:00

Para cualquier persona interesada en la música, un nuevo disco de Keith Jarrett en un solo de piano es un evento único. Radiance, su nuevo CD doble grabado en vivo en 2002 en Osaka y Tokio, Japón, es el primero de Jarrett en una década. El último fue La Scala, de 1995. (En 1999 sacó también el excelente disco de estudio The Melody At Night with You)
Este nuevo disco doble de casi dos horas y media de duración es la última entrega de una tradición de conciertos para piano que Jarrett estableció en los 70 con el aclamado The Köln Concert.
Nadie toca música para piano solo como Keith Jarrett. Después de su padecimiento de fatiga crónica que le costó recluirse para tocar sólo con su trío (con el que logró en 2004 el asombroso Out of Towners), Jarrett demuestra ahora que toca mejor que nunca. En las notas del disco que firma el pianista -un pequeño y valioso documento en el que describe su propio proceso creativo- Jarrett explica que deja las improvisaciones tan comunes en sus trabajos anteriores de Colonia o Lausana y desarrolla un nuevo concepto: una suite compuesta de "discretas piezas que se desprenden una de otra", como explica en el booket. Efectivamente, Radiance está dividido en 17 movimientos continuos de un abanico formal asombroso - piezas que duran entre 1 y14 minutos-. El concierto de Osaka ocupa los track del 1 al 13 y los últimos cuatro pertenecen a la presentación en Tokio, ejecutado tres días después.
Radiance no es sólo improvisación; es espontaneidad. Jarrett logra lo impensable: reinventa su firma artística, su manera de tocar el piano y lleva su arte extemporáneo a un nuevo y desconocido nivel de belleza. Su técnica ahora está paradójicamente acompañada de vulnerabilidad (como transmite en Part 8, del CD 1) logrando que la belleza austera de su música conforme uno de los más conmovedores, inteligentes y atrevidos sets jamás escuchados, inclusive de cualquier género musical.
Rupturista, melódico y tal vez el mejor trabajo de Jarrett hasta el día de hoy, Radiance, que no casualmente significa resplandor en inglés, es un disco de resultados profundos del que mucho ya se habla y más se conversará y escribirá en la prensa del mundo entero.

Eugenia León una Tirana

2007-05-14T15:59:00.000-07:00

Nacida en México, es considerada, por muchos, como la mejor cantante del país. Podría decirse que la carrera de Eugenia León esta formada por estupendos discos, conciertos grandiosos y grandes espectáculos, y también desde hace unos años conduce un exitoso programa en México que se llama Acústico, por donde pasan todas las más importantes figuras de la música de México y Latinoamérica.
Su voz es conmovedora, su forma de cantar, su personalidad, su carisma, hacen que Eugenia León sea una artista con todas las letras.
En este disco que les recomendamos, Eugenia León dedica y rinde homenaje a las cantantes de sangre y garra, como La Lupe, Chavela Vargas, Lucha Reyes, entre otras.
Estas canciones son un tributo a las cantoras y caponeras, a las que arrullan las borracheras, las esquinas de los barrios, a los pueblos y rancherías donde se huele a Tequila, a los que cantan al amor y la esperaza y solo llegan a su casa con una bolsa de aplausos. Esas voces anónimas que le enseñaron la ciencia y el cálculo exacto donde se fusiona el canto con el alma de los mexicanos.
En este disco hay versiones soberbias de los grandes boleros: Envidia, Puro Teatro, La Tirana, y las inolvidables canciones mexicanas No me amenaces y La Paloma.
Un disco de colección, para los amantes de la música que interpretan las divas de la canción mexicana.

Música con mucho glamour

2007-05-14T15:50:00.000-07:00

Los diseñadores más importantes del mundo, creadores de tendencia, como Christian Lacroíx, Kenzo, Kael Lagerfeld, entre otros, editan la música de sus desfiles o su música inspiradora en lujosos discos. Siempre son asesorados por talentosos dj que musicalizan las pasarelas.
La moda siempre esta acompañada de la música, y hay músicos que más de una vez inspiraron un estilo y una forma de vida.
Estos discos no están editados en Argentina, pero se pueden conseguir fácilmente vía Web. En primer lugar la famosa Dj francesa Béatrice Ardisson, fue convocada por Christian Lacroix para compilar la música de sus desfiles a través de varios años. Este álbum se llamó Patchwork. El material es un deleite desde el principio hasta el final, en dos discos con estilos muy diferentes, el uno del otro, en donde encontramos música de todo el mundo, finamente compaginada, y en donde cada tema es muy diferente del otro. En él encontramos desde Good de Pizzicato Five, My Way de Nina Hagen, Canción de Tendero de Antonio Gades de la película El amor Brujo, hasta la música de Alberto Iglesias de Hable con ella de Pedro Almodovar, Darren de Michael Nyman, Thérese Desqueyroux de Maurice Jarre, entre muchos otros.
El disco esta editado de una forma exquisita, con fotos de los diseños de Lacroíx, con mucho color y el collage en su estética, llevado a la música como la misma compilación, que Beatrice Ardisson se nota conoce muy bien lo que hace.
Otro divo de la moda que tiene su disco es el excéntrico Karl Lagerfeeld, que está a cargo de la firma Chanel hace varios años. Este talentoso diseñador se viste de blanco y negro todos los días de su vida, y sus fotos siempre son las preferidas en las revistas, ya que las modelos que él viste son de un estilo muy particular. Karl es amante de la vida y colecciona arte, es millonario y vive en un castillo a las afueras de París. Ahora su foto es la portada del disco llamado Le musiques que j´aime, auspiciado por la revista Vogue.
Este disco esta compilado junto a Michel Gaubert, que es el dj que se ocupa de musicalizar todos los desfiles de Chanel. Es un álbum doble que se llama At Home, y allí está la música que escucha Karl es su poco tiempo libre; el otro, At Work es un poco la música que se usa para los desfiles u otra un poco inspirada en los modelos de la casa.
Es un álbum un poco extraño, muy particular, con mucho rock y canciones muy desconocidas, y encontramos composiciones de Devendra Banhart, Gordfrapp, Super Furry Animals hasta Xavier Cugat. Esta variedad de artistas hacen que sea atractiva la compilación, pero por momentos se vuelve un tanto oscura, y cuesta un poco creer que sean realmente las canciones que Lagerfeeld ama y no sea una estrategia comercial, porque el disco sin su nombre, no tiene mayor atractivo; eso si, la edición no podía ser de otra manera: muy cuidada.
El sello italiano Cool Visión Records, decidió junto a Dario Raimondi Cominesi y Alvaro Ugolini, editar la música de los desfiles de Fashion Scene en Roma, y ya hay varios volúmenes que se llaman Roma Alta Moda.
Estos son todos discos dobles que vienen en una cajita con un libro muy detallado que explica de donde proviene la música seleccionada y con muchas fotos.
Los discos se acercan un poco más a la onda Lounge, a los discos Budha Bar u Hotel Coste, todos los volúmenes que tienen muy buen set, compilados minuciosamente, con temas de artitas como Hernry Salvador, Paris Combo, Astrud Gilberto, Dusty Springfield, Dalila y Thievery Corporation.
Otras firmas como Banana Republic, tienen discos que salen en cada temporada, son recopilaciones inspirándose en las tendencias de la temporada, y casi siempre son en primavera-verano.
Esta es otra alternativa de escuchar música muy bien compilada y para conocer otros tipos de intérpretes y estilos, también con la variante de que las ediciones son muy lindas, cosa que hace que no se pierdan las ganas de comprar el disco original; por más que uno lo baje en internet, no es lo mismo.

04 / 坂本龍

2007-03-21T10:59:00.000-07:00

Últimamente el disco que escucho todo el tiempo y sin descanso es el nuevo disco del magistral músico japonés Ryuichi Sakamoto, el álbum se llama “04” y es como la continuación del disco “1996”. En nuevo material Sakamoto vuelve a grabar nuevas versiones de clásicos y algunos temas nuevos, pero siempre ejecutados con piano, violines y chelo, este disco es un festín para amantes de la buena música, Sakamoto aquí se da rienda suelta a lo que mejor sabe hacer y es tocar piano en todos los temas, acompañando músicos japoneses en cuerdas.
Con mucho aire nuevo en temas clásicos como Merry Christmas Mr.Lawrence; Rain y un clima intimo en Theme for Roningai-symphonic; también brilantes melodías en los nuevos Dear Liz y Asience-original.

今回のテーマは教授曰く“ゆるみ系”ということらしく、その言葉が特に現れているのが曲のテンポです。別にゆっくりしているというわけではありませんが、楽曲の静けさを強調する部分では緩やかに、クライマックスに向けて盛り上がる個所などでは力強くテンポアップしたり、ＹＭＯ時代にやっていたメトロノームのクリックに合わせて演奏するスタイルとは間逆の弾き方をしています。そのテンポ感のゆるさがアルバム全体(といっても多重録音された8.などはクリックに合わせてますが…) に和やかで感性豊かな雰囲気を醸し出しています。

La famosa Place Jemaa el Fna

2007-03-09T10:38:00.001-08:00

Es una sorprendente plaza seca situada en el corazón de la Medina de Marrakech. Su nombre significa “Reunión de los difuntos” y antiguamente era el lugar en que se realizaban las ejecuciones públicas y se exponían las cabezas de los decapitados ante todos los que habitaban la Medina.
Con el correr de los años la plaza fue ganando importancia tanto de noche como de día, ya que son dos mundos diferentes las que la habitan en esas dos instancias del día.
Durante la mañana y la tarde, el sol hace que la plaza tenga un reflejo muy especial y parece un gran espejo, por eso los comerciantes hacen sombra con pequeñas tiendas, donde se instalan vendedores de naranjas, aguateros, especieros, fruteros, herboristas e incluso vendedores de dentaduras, entre otras curiosidades.
Al atardecer todo se impregna de un color magenta, con un cielo que podría ser un atardecer de una pintura de Monet. La plaza es invadida por acróbatas, encantadores de serpientes que tocan la Ghaita, provocando con su sonido la excitación de los reptiles que los hace comportar de una forma un tanto extraña. A varios de los turistas desprevenidos los encantadores les ponen las serpientes en su cuello (para la fotito), y eso sí, hay que tener siempre varias monedas encima si uno quiere pararse a mirar el espectáculo, ya que puede resultar imposible mirar sin pagar.
A la noche la plaza se llena de tiendas, en donde hay mesas y bancos para sentarse a comer, y es imposible pasar por allí sin probar esas delicias que preparan en el momento. No hay cheff que no recomiende ir a comer a la famosa Place Jemaa el Fna.
La plaza, ya en plena noche, se convierte es un fabuloso lujo para la vista y el olfato, porque los olores de las especies, las comidas, y todo el embrujo reinante, maceran un perfume difícil de olvidar.
Para quienes busquen algo más, también seguro que lo encontraran, ya que a la noche la plaza es un lugar casi de hombres, y solo hay mujeres “turistas”, y las miradas son más que sugestivas.
Los hombres marroquíes forman rondas con percusionistas en el centro y varios de ellos bailan tomados de la mano, en un rítmico y cadencioso trotecito de lado a lado. Un espectáculo fantástico que recomiendo disfrutar sin prisa. Todo esto también se puede ver desde los cafés, que tienen espléndidas terrazas con vista a la plaza. Recomiendo no dejar de sentarse en la terraza del Café de France. Nunca podrán olvidar esta experiencia.

Marruecos, un universo de aromas y sensaciones

2007-03-09T10:36:00.000-08:00

En mi viaje a Marruecos llevo presente las imágenes de la película de Bernardo Bertolucci, El cielo protector; y tengo en mi cabeza la música del disco que grabo Brian Jones en su estadía en Marruecos en el `71, donde deslumbrado por los Músicos de Jajouka, grabó la misteriosa música en unas pistas que se transforman en un canto sagrado que nos invita a un estado de hipnosis.
Con mi guía y alguna información de los lugares que visitaré, comienzo mi viaje a Marruecos, iniciando por la ciudad imperial y capital del sur: Marrakech.
Desde que uno aterriza en este lugar, se ve rodeado de perfumes, rosas, verdes palmeras y muros de una tonalidad que va desde el color ladrillo hasta el rosado y una gran variedad de ocres. Al oeste de la Medina (ciudad antigua y amurallada) se extiende una zona moderna, el Gueliz, que le debe su nombre a la colina situada al Noroeste de la ciudad. El eje principal es el boulevard Mohammed V, que está lleno de hoteles lujosos, tiendas y cafés; este el lugar donde casi siempre se hospeda la clientela internacional.
Pero yo me hospedaré dentro de la Medina, un lugar mágico, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
El encanto de la Medina es perderse por ella, pero a veces da un poco de temor internarse solo por ese laberinto de calles oscuras y estrechas. Aunque el placer está también en eso, en perderse, y descubrir una arquitectura preciosa, llena de pequeños palacios, fuentes de mosaicos y un sin fin de diminutos locales donde los artesanos trabajan las cerámicas, las telas, los metales y logran verdades maravillas.
Mi hotel es un Riad (significa patio) y está entre las pequeñas calles del laberinto. Los Riad, casi siempre son las extensiones de palacios, hoy la mayoría de sus dueños son franceses, y siempre tienen un patio con árboles de naranjos y una fuente en el centro y todas las habitaciones dan hacia ese fresco y encantador patio. Un Riad tiene todo lo maravilloso del estilo tradicional Marroquí y el gusto exquisito de los franceses en sus pequeños espacios reacondicionados a la vida moderna.
El Riad donde me hospedé en Marrakech, se llama Aida y fue la casa del servidor del sultán del Palacio de la Bahia (Palais de la Bahia). Hace algunos años fue un solo palacio, hoy esta parte se convirtió un este adorable hospedaje. Para quienes conozcan este tipo de pequeños hoteles, los que aquí llamamos Petit Hoteles u Hoteles Boutique, les costará mucho volver a los hoteles tradiciones y mas comunes e impersonales como los internacionales, ya que en los Riad el trato es cordial y la buena atención es moneda corriente, ya que desde que uno llega, la bienvenida es con una sonrisa y un exquisito té de menta.
Mi habitación, al igual que las otras, da a un patio lleno de naranjos, en donde solo se escucha el ruido del agua de la fuente, y llegada la tarde es decorada con rosas frescas que flotan y todo el patio es iluminado con faroles típicos marroquíes.
El desayuno es servido en un espacio delicadamente decorado, siempre con vajilla típica, que es de cerámica tradicional, y casi siempre pintada con azules y blancos.
Ya solo estar en este lugar un tanto especial, hace que Marruecos sea una delicia exótica por donde se la mire.

Alejandro González Iñárritu

2007-03-09T10:30:00.000-08:00

Alguna vez soñé con la posibilidad de que los párpados pudieran retener o grabar los infinitos laberintos de imágenes que son capturadas por las retinas, y que esos párpados, impregnados como papel calca, se pudieran exprimir para extraer de ellos todos los recuerdos de nuestra vida.
Sin embargo, todas esas imágenes suelen desvanecerse y son pocas las que sobreviven.

Cheikha Rimitti, la madre del raï

2007-01-29T10:05:00.000-08:00

En los años treinta, la ciudad de Orán, en Argelia, era un mosaico de razas y religiones a orillas del Mediterráneo. En aquella ciudad vivían franceses, judíos, árabes, turcos, beréberes y españoles. La música tradicional solo se oía entonces en bodas y otros banquetes pero también en cantinas o burdeles.
Frente a los cantos moralistas y llenos de metáforas sobre el amor existían otros cantos que hablaban de la emigración, de la violencia, de sexo, de los placeres de la vida y también de las desgracias. Rimitti cantaba de taberna en taberna para poder pagarse la comida y ya entonces criticaba en sus canciones los matrimonios "arreglados" por las familias.
Con la llegada de la revolución, los cantantes críticos como ella celebraron con el resto del pueblo argelino la independencia. Su situación mejoró considerablemente. Con el tiempo Rimitti fue haciéndose un nombre que le permitió vivir sin agobios y hacerse un hueco entre los cantantes mayoritariamente masculinos. Con la explosión del raï entre los jóvenes argelinos se convirtió en una figura emblemática y cuando este éxito llegó a occidente a principios de los ochenta emigró a París.
En 1993, cuando estaba pensando en retirarse, Rimitti grabó en Estados Unidos, en Los Ángeles, "Sidi Mansour" junto a músicos de rock tan reconocidos como Robert Fripp (King Drimson, David Bowie, Eno), Flea (Red Hot Chili Peppers), East Ray Bay (Dead Kennedys) o los metales de Frank Zappa. Todos participaron con mucha humildad y respeto hacia la gran artista y además de aportar su esfuerzo artístico quisieron manifestar su solidaridad y compromiso con los músicos y las mujeres de Argelia que en los años noventa pasaron por serias dificultades. El resultado fue un disco sorprendente y fresco, alegre y abierto, que colocó a Rimitti en las listas de éxitos de todo el mundo.
Cheikha Rimitti, la legendaria figura de la música raï, falleció repentinamente el 15 de mayo del 2006 en París a los 83 años de edad víctima
Cheikha Rimitti, la legendaria figura de la música raï, falleció repentinamente el pasado lunes 15 en París a los 83 años de edad víctima de un infarto.

Fangoria – El extraño viaje

2007-01-18T08:46:00.000-08:00

Llega el nuevo disco del grupo de la Diva de la movida madrileña, Alaska, esta vez acompañada de su grupo Fangoria.
El disco desde que se editó está entre los más vendidos en España y su primer corte, “Criticar por criticar”, no para de sonar en cuanto lugar gay hay en Europa.
Este extraño viaje esta compuesto por ritmos y melodías pegadizas, mezcla del rock muy de los 80’ y la electrónica de vanguardia.
La interpretación de Alaska es lo mejor del disco, a pesar de que algunas de las letras son un poco reiterativas, pero ella sale mucho más que airosa, en doce canciones maravillosamente ejecutadas, con la personalidad del universo de Alaska, a quién parece que los años la hacen cada vez más interesante.
Cada uno de los temas tienen letras ambiguas y ritmos con los que no podrán dejar de moverse. Fangoria vuelve con un disco que será en unos años de culto, como todo lo que hizo siempre la reina de pelo rojo furioso.La gira de presentación del disco culmino el 5 de enero en el Palacio de los deportes junto a Pet Shop Boys

Toledo - España - Diciembre 2006 / 2º bajo cero

2007-01-18T08:38:00.000-08:00

Madrid - Diciembre 2006

2007-01-17T13:16:00.000-08:00

Marrakech - Marruecos - Diciembre 2006

2006-12-29T10:17:00.000-08:00

Fez - Marruecos - Diciembre 2006

2006-12-29T10:08:00.000-08:00

Casablanca - Marruecos - Diciembre 2006

2006-12-29T09:58:00.000-08:00

Lisboa

2006-11-13T07:11:00.000-08:00

sin titulo

2006-11-06T14:18:00.000-08:00

Este es el último cuadro que pinte

Béatrice Ardisson

2006-11-06T13:21:00.000-08:00

Pequeña, presumida y supersónica. De incierto origen vasco. Beatrice Ardisson se educó en París, en plena movida ochentera. Coqueteó con la moda y las Bellas Artes antes de casarse con el famoso periodista Thierry Ardisson. Tiene 38 años, tres hijos, una granja en Normandía, 30 animales y 10.000 discos. Se define como diseñadora de sonido. Lo mismo elige la música de un programa televisivo que la de un desfile o una fiesta privada. Su especialidad son las versiones raras de grandes éxitos. Es decir: las perversiones pop o retropop de canciones que han pasado a la Historia. Su nombre figura en la portada de tres CDs recopilatorios absolutamente imprescindibles: La musique de Paris Dernière, volúmenes uno, dos y tres. Un par de ejemplos de lo que puede encontrarse en el más reciente: Joey Ramone torturando la balada de Louis Armstrong What a Wonderful World y el coro estudiantil del colegio Langley poniéndole alas al Space Oddity de David Bowie. Hay quien la considera la reina de las pinchadiscos petardas. Lo que está claro es que, como diría John Waters, esta mujer posee un mal gusto exquisito.

Hang On Little Tomato / Pink Martini

2006-11-06T13:11:00.000-08:00

Hang on Little Tomato, el tan esperado segundo álbum de Pink Martini, muestra mayormente canciones originales escritas por la banda, inspiradas en temas articulados en su primer álbum. Hang On Little Tomato es el resultado de las diversas colaboraciones e inspiraciones del grupo. Desde una publicidad de ketchup del año1964 que fue tema de la revista LIFE hasta una secuencia de baile en la película italiana Anna de los años 50.
El disco incluye canciones en francés, italiano, japonés, croata, español e ingles.
"Una Notte a Napoli" por ejemplo fue escrita con Alba Clemente, una estrella de la televisión italiana de los años 70 y el DJ Johhny Dynell, del legendario Night club de New York Jackie 60. El grupo realiza en el disco un cover de una canción japonesa "Kikuchiyo to” (cuya traducción literal es “la concha de la lora”), que grabó en Japón junto a Hiroshi Wada, guitarrista del grupo que originalmente grabara el tema 40 años atrás.
Este segundo disco de esta particular agrupación, los muestra como arqueólogos de la música, combinando melodías y ritmos de diferentes partes del mundo, para crear algo moderno.
El Cd resulta un exquisito tapiz musical, de una refinada mixtura, con el sello ya inconfundible y glamoroso de los Pink Martini.

"Temptation" un disco para llorar

2006-11-06T11:57:00.000-08:00

Este sí es un disco para llorar y llorar… Todas las canciones fueron compuestas por Tom Waits y son interpretadas por Holly Colle.
Temptation es un disco maravilloso, es uno de esos discos exquisitos de principio a fin, Holly no es popular como Diana Krall o Norah Jones, pero les puedo asegurar que canta más precioso que ellas.
Ella es canadiense, nació en Nueva Escocia en 1963 y se crió desde pequeña rodeada de música, ya que sus padres se dedicaron a la música clásica.
La voz de Cole es la arquetípica de una cantante norteamericana de la posguerra, rasgada y aterciopelada a la vez. Las atmósferas que construye junto a sus acompañantes son cuidadosamente retrógradas y nocturnas, oscilando entre lo sombrío y lo exultante.
Casi todas son baladas están bañadas del más puro jazz, brillantes composiciones del talentoso Tom Waits, que fue su novio en algún momento.
Este es un disco que cuanto más se lo escucha, más gusta, y cada canción lleva a un lugar de nuestro pasado pasado, o a la nostalgia, o a la necesidad de estar solo en penumbras.
Canciones que son como arrullos para dormir, como caricias, como un bálsamo… como el mejor de los momentos que bordea a la felicidad.